Картины объемные своими руками: Картины объемные своими руками — 3 мастер класса (39 фото)

Какие цвета и красители подходят для художественной обработки смолы?

В настоящее время существует множество поставщиков высокопигментированных красок, продукция которых особенно подходит для использования в смоле.Вы можете использовать пигменты цвета в виде порошка , краски ResiTint (очень интенсивные цвета, достаточно нескольких капель), чернила , спиртовые чернила, жидкие акриловые краски и аэрозольные краски . Нет предела вашему воображению. Вы не должны добавлять воду в свои краски, потому что вода делает смолу молочной, и она больше не затвердевает полностью. У нас есть собственный учебник по , как покрасить смолу .

В зависимости от типа используемых пигментов вы получите разные результаты .Существуют также цветные пигменты в виде порошка, которые не подходят для смолы. Лучше всего поэкспериментировать с цветами на небольших поверхностях для рисования, прежде чем вы решитесь браться за большие картины Resin Art. Некоторые производители ведут списки пигментов, подходящих для окрашивания смолы, например Кремер. Важно тщательно (но аккуратно) перемешать краску со смолой.

• Это полный набор ResinTint со всеми основными цветами
• Также в комплекте: набор «металлик и неон» из 8 мерцающих цветов
• Высококачественные красители для эпоксидной смолы

• Hemway предлагает один из самых больших ассортиментов пигментных порошковых красителей
• Вы можете просто медленно смешивать это со смолой, пока не будет достигнуто желаемое соотношение
• Цветостойкий и светостойкий, поэтому ваши работы будут сиять даже спустя долгое время

Как рассчитать необходимое количество смолы

Количество смолы, которое вам понадобится для вашего рисунка на эпоксидной смоле, зависит от размера вашей поверхности для рисования, а также от того, хотите ли вы покрыть края смолой или покрыть их малярной лентой.Чтобы рассчитать количество смолы, которое вам нужно, у нас есть калькулятор эпоксидной смолы, который поможет вам рассчитать количество смолы, которое вам нужно смешать:

Особая техника смоляного искусства — клетки в вашем эпоксидном искусстве из смолы

Ячейки могут быть изготовлены методами литья, такими как Dirty Pour, Air Swipe и многими другими. Вы можете изучить их в нашем отдельном блоге о техниках флюидной живописи.

также можно создать, добавив немного изопропанолового спирта или несколько капель Resi-Blast.Кроме того, вы можете бросить Resi-Blast в свежезалитую смолу. Если вы будете ждать слишком долго, Resi-Blast не будет иметь никакого эффекта.

• Изопропиловый спирт, 99%, 16 унций
• Получение клеток в эпоксидной смоле Art
• Также подходит для очистки ваших инструментов

Добейтесь сверкающих и светящихся эффектов в вашей эпоксидной краске

Добавляя блестящие или декоративные камни и кристаллы в свой рисунок из эпоксидной смолы, вы можете расставить красивые акценты.Например, можно отлить очень модные сейчас жеоды. (Кстати, скоро будет запись в блоге о жеодах).

Как предотвратить перегрев смолы?

Смешивайте столько смолы, сколько вам действительно нужно. Используйте для смолы, которая вам не нужна сразу широкие сосуды. Особенно металлические цвета выделяют много тепла вместе со смолой. Чем теплее комнатная температура, тем быстрее смола начинает «кипеть».Если вы заметили, что ваша смола твердая и очень горячая в чашке, вылейте ее на фольгу. Потому что его все равно не переработаешь и он может снова остыть. В жаркие дни я рекомендую заниматься смолой утром или переносить ее в прохладный погреб.

Что делать с пузырьками воздуха?

Нельзя избежать образования пузырьков воздуха в смоле . Если вы медленно перемешиваете литейную смолу и кратковременно нагреваете ее в промежутках, пузырьки не должны быть проблемой.Тепло заставит пузырьки подняться на поверхность и лопнуть. Регулярно нагревайте смолу на окрашиваемой поверхности с помощью тепловой пушки или, что еще лучше, с помощью бутановой горелки.

Держите источник тепла на расстоянии около 4 дюймов от эпоксидной смолы и быстрыми движениями перемещайте горелку над картиной . В противном случае смола закипит и слипнется. Если смола окрашена в белый цвет, это видно по тому, что она становится желтой. Если это случилось с вами, вам придется удалить комковавшуюся смолу с поверхности и залить ее снова.

• Тот же эффект, что и при сушке горячим воздухом, но без гофрирования поверхности смолы воздухом
• Бутановая горелка более эффективна при удалении пузырьков из смолы
• С предохранительным замком, многоразового использования, регулируемое пламя (макс. 2500°F)

Время обработки смолы

Время высыхания зависит от комнатной температуры и типа используемой смолы .При использовании MasterCast 1-2-1 при комнатной температуре 22°C у вас есть от 25 до 40 минут рабочего времени до начала высыхания. С TotalCast от того же поставщика это от 15 до 30 минут, с UltraCast около 1,5 часов. ArtResin ведет себя аналогично MasterCast 1-2-1.

Состав для рисования

Как и в случае с любой картиной, вы должны заранее подумать о составе эпоксидной краски. Это особенно верно для Resin Epoxy Art — после того, как вы смешали смолу с отвердителем, у вас есть только ограниченное время, чтобы закончить рисование смолой.

Как сделать искусство из смолы – Учебное пособие по созданию вашей первой картины из смолы

После того, как вы разберетесь с дизайном изображения и выбором цвета, вы будете готовы приступить к своей первой картине смолой:

• Обеспечьте чистое, непыльное рабочее место в хорошо проветриваемом помещении. Положите фольгу, чтобы защитить свое рабочее место и пол. Необходимый материал должен быть в пределах легкой досягаемости.
№
• Приклейте малярный грунт с обратной стороны прочной малярной лентой, чтобы капли смолы с нижней стороны деревянной доски можно было легко удалить на следующий день вместе с лентой.Некоторые художники также приклеивают края малярной земли. Заклеивать страницы или нет — это, конечно, дело вкуса, каждый должен делать это так, как ему нравится.
• Поместите подставку для рисования на столешницу, например, на столешницу. на чашки. Если ваша основа для рисования находится прямо на столешнице, обратная сторона прилипнет к столешнице из-за стекающей смолы.

• Используйте уровень, чтобы убедиться, что поверхность для рисования расположена горизонтально на столешнице .В противном случае смола расплавится и ваш красивый мотив через короткое время будет незаметен.
• Используйте одноразовые нитриловые перчатки (без винила или латекса) и одежду с длинными рукавами.
• Смешайте необходимое количество смолы и отвердителя в правильном соотношении в течение 3 минут. И MasterCast 1-2-1, и ArtResin смешиваются в соотношении 1:1 по объему (не по весу). Для перемешивания используйте пластиковую лопатку. Если два компонента смешаны недостаточно, масса остается липкой и не затвердевает полностью.

• Теперь начинается самое интересное: раскрасьте смолу в одноразовых стаканчиках разными цветами . Будьте экономны с цветом, обычно достаточно нескольких капель или намека на пигменты. Вы можете выливать смоляные стаканчики по отдельности на поверхность для рисования или использовать одну из хорошо известных техник заливки. Например: заливка лужей, заливка грязной водой, чашка с откидной крышкой, завихрение, протирка воздухом и т. д.
• Вы также можете добавить в красящие смеси немного силиконового масла или еще лучше Resi-Blast. Resi-Blast был специально разработан для эпоксидного искусства формирования клеток.
• Вы можете влиять на распределение смолы на окрашиваемой поверхности с помощью шпателя, ножа, губчатого валика, кисти, силиконовой кисти и т. д. , а также наклоняя окрашиваемую поверхность.
• Избегайте пузырьков воздуха на картине. Если они есть, вы можете удалить их (очень быстро!) с помощью бутановой горелки или фена с горячим воздухом.

• Если литьевая смола начинает сохнуть через определенное время (отличается от смолы к смоле, см. выше), окраску менять не следует .Тогда смола становится очень вязкой и начинает тянуть за нити, как жевательная резинка. Затем он теряет свое важнейшее свойство самовыравнивания. Нагревание может замедлить процесс, но лишь в ограниченной степени.
• Во избежание раздражающих инородных частиц (пыль, волосы, комары) на художественном произведении из смолы, , при необходимости удалите их пинцетом.

• Когда изображение готово и на нем нет пузырьков воздуха и посторонних частиц, его следует накрыть для защиты от пыли .Для этого можно использовать картонную тарелку, которую вы поместите, например, на четыре бутылки. Изображение из полимера твердеет примерно через 24 часа, но все еще чувствительно. Только через три дня он полностью излечивается. Изображение из смолы не должно подвергаться большим колебаниям температуры во время сушки.
№
• При необходимости можно нанести дополнительные слои смолы, как только Resin pour Art высохнет (примерно через 5 часов).

Как чистить инструменты для литья?

С готовой эпоксидной краской ваша работа еще не закончена.Теперь пришло время почистить ваше малярное оборудование. Если у вас еще осталась смола, вы можете использовать ее либо для небольших предметов декора, таких как Подставки из смолы / Чашки Петри, либо для экспериментов. Поместите пустые стаканчики из смолы на пластиковую фольгу отверстием вниз. Избыток смолы вытекает из чашек и может быть легко отделен от чашки на следующий день.

Протрите шпатель уксусом или тканью, смоченной изопропанолом. Вы также должны вытереть оставшиеся липкие предметы, такие как сушилки с горячим воздухом, бутановые горелки, пинцеты и т. д.спиртовой салфеткой. Внимание, перед использованием отключите электроприборы от сети! Щетки и поролоновые валики, если вы ими пользовались, к сожалению, подлежат утилизации. Не оставляйте в смоле деревянные палочки, иначе на следующий день вы вряд ли сможете убрать их с поверхности.

Как чистить Sticky Hands?

Вы должны очистить липкие руки уксусом, а затем промыть их водой с мылом . В магазине DIY есть пасты для мытья рук с натирающими средствами, которые очень помогают.Спиртом следует мыть руки только в случае необходимости, так как он сушит кожу. Тем не менее, в любом случае лучше, если ваши руки не станут липкими в перчатках. По возможности смола не должна попадать на кожу, так как это может вызвать раздражение.

Что делать, если на картине из смолы видны поврежденные участки?

Если на изображении из смолы после высыхания появились отверстия или вмятины, возможно, вы использовали недостаточное количество смолы или слишком много смолы стекло с изображения.Вмятины также могут образовываться при использовании силиконового масла или Resi-Blast. В этом случае у вас нет другого выбора, кроме как тщательно отшлифовать поверхность картины с мелким зерном и нанести новый слой смолы. Если вы использовали Resi-Blast или силиконовое масло в Resin Art, тщательно очистите поверхность спиртом.

Дополнительные слои смолы

Примерно через пять часов после нанесения смолы (если смола уже немного затвердела, но все еще держится), можно нанести еще один слой смолы. Несколько слоев смолы, нанесенных друг на друга, придают рисунку Resin Pour Art захватывающую глубину.

В качестве альтернативы, вы можете подождать, нанеся еще один слой смолы, пока ваша эпоксидная смола полностью не затвердеет (минимум 24 часа, а лучше дольше). Затем, однако, вы должны тщательно придать шероховатость рисунку с эпоксидной смолой наждачной бумагой, чтобы новая смола могла хорошо прилипнуть. Пожалуйста, используйте только мелкое зерно.

После шлифовки тщательно очистите картину водой и, возможно, спиртовой салфеткой.Шлифовку нельзя производить в одном помещении со смолой, иначе в воздухе витает много пыли, которая может оседать на свежеотлитую малярную поверхность.

Трудности с эпоксидной смолой Art

В дополнение к множеству красивых сторон, Resin Epoxy Art также имеет некоторые недостатки по сравнению с другими техниками: Если вы решитесь использовать эпоксидную смолу, вы не должны иметь склонности к чистоте, потому что работа со смолой — липкое дело. Эта техника также довольно дорогая.Качественная смола имеет свою цену.

Эпоксидная смола краска особенно интересна, когда несколько слоев наносятся друг на друга, так что затраты смолы на одну картину весьма значительны. Кроме того, ради здоровья следует соблюдать меры безопасности. Техника непростая, но это повышает привлекательность дизайна. Если у вас есть техника под контролем, вы будете вознаграждены удовлетворением и красивыми работами.

Меры безопасности при работе со смолой

Смола представляет собой вязкое липкое вещество, которое полностью затвердевает при комнатной температуре за определенное время.Поэтому следует позаботиться о защите мебели и одежды от пятен смолы. С другой стороны, меры предосторожности также должны быть приняты для защиты вашего здоровья. Даже если вы используете смолу, которая была сертифицирована как нетоксичная и безвредная, смола может вызвать раздражение кожи при контакте с кожей.

Поэтому важно носить одноразовые нитриловые перчатки и одежду с длинными рукавами. Кроме того, следует воздерживаться от приема пищи и питья в непосредственной близости от смолы.Также следует избегать курения, так как эпоксидная смола частично воспламеняется. Кроме того, при нагревании краски/синтетической смолы рекомендуется использовать респираторную защитную маску, так как это не совсем безвредно.

• Синяя большая толщина 4 мил, неопудренная, без латекса
• Медицинские безопасные смотровые перчатки с текстурой кончиков пальцев (упаковка из 100 шт.)

• Поскольку при обработке смолы могут образовываться токсичные пары, мы рекомендуем носить респиратор при обработке смолы в помещениях.
• Несмотря на то, что профессиональная смола обещает быть нетоксичной, мы считаем, что здоровье превыше всего, и вы можете устранить любой негативный эффект.

• Смола, конечно, не должна попасть в глаза
• Поэтому при работе с эпоксидной смолой следует надевать защитные очки, чтобы защитить себя

Идеи для творчества из смолы

Хотя термин «искусство смолы» широко используется для описания картин, сделанных из этого материала, с ним так много можно сделать.Вот несколько идей для рисования из смолы, которые вы можете воплотить — ознакомьтесь с нашими подробными уроками для этих художественных проектов:

Итог

Как видите, создание картины из эпоксидной смолы достаточно трудоемко и требует большой подготовки. Но если вы подержите в руках успешную работу из смолы, вы увидите: она того стоила!

Новичкам однозначно могу порекомендовать пройти курс смолы. Там вы научитесь разбираться в технике с нуля – со всеми ее особенностями и предосторожностями.Вас будут сопровождать шаг за шагом на отдельных этапах: от подготовки и проектирования до очистки и постобработки.

Получайте удовольствие от экспериментов со смолой!

Часто задаваемые вопросы

Искусство из смолы дорого?

Да, искусство смолы может быть довольно дорогим хобби. Это в основном потому, что эпоксидная смола может быть дорогостоящей, если вы создаете большие произведения искусства из смолы. Вот почему покупка произведений искусства из смолы может стоить приличной суммы денег.

Почему искусство смолы — это плохо?

обладает многими замечательными свойствами, но в то же время имеет и недостаток: технически вы создаете искусство из пластика, поэтому это не самый экологически чистый вид искусства. Кроме того, пока смола находится в жидкой форме, токсична и требует осторожного обращения.

В чем разница между художественной смолой и литьевой смолой?

Разница между Art Resin и Casting Resin заключается в назначении: Art Resin, который больше описывается как Coating Resin, предназначен для создания поверхностей, он толще и быстрее затвердевает.Литейная смола предназначена для более глубокой заливки, например, смоляных столов или форм.

Патриция Джагги

Хотя Патрисия Джагги увлекалась рисованием с юности, она обнаружила свою истинную страсть несколько лет назад, работая с эпоксидной смолой. После изучения экономики она работала бизнес-консультантом и ученым, что оставляло ей мало времени для рисования. После рождения детей она позволила себе больше свободы, чтобы снова заниматься творчеством.Сегодня она работает с различными техниками в своей мастерской в ​​Базеле, но больше всего любит искусство из смолы. Она была очарована яркостью картин и их эффектом глубины. Своими картинами она хочет вызвать у зрителя энтузиазм и положительные эмоции. Поскольку Патриция хочет поделиться своей радостью и знаниями о искусстве смолы с другими, теперь она также предлагает курсы.

www.instagram.com/jaggi.patricia

www.pj-resinart.ch

Как купить произведение искусства

Вопрос, заданный заголовком , теоретически достаточно прост.Огромный объем произведений искусства, продаваемых по всему миру каждый год, намного больше, чем когда-либо в истории человечества. В 2020 году глобальные продажи предметов искусства и антиквариата упали на 22 процента — до 50,1 миллиарда долларов. Эти цифры, самые достоверные данные по этой теме, которые существуют — и уже одно это многое скажет о мире искусства для непосвященных — взяты из ежегодного отчета экономиста Клэр МакЭндрю, финансируемого и выпущенного Art Basel, ярмаркой современного искусства, и его корпоративный партнер UBS, швейцарская транснациональная финансовая компания и один из крупнейших частных банков в мире, который, для сравнения, сообщил о 32 долларах.Доход 39 миллиардов в 2020 году. Но давайте просто скажем, что это много денег, перешедших из рук в руки. И последнее сравнение: 50 миллиардов долларов — это также стоимость, предложенная Международным валютным фондом для покрытия его глобального плана по борьбе с Covid-19.

Но дело в том, что покупка искусства не так очевидна. Иметь расходуемый доход в 2021 году — сложное предложение для подавляющего большинства людей. Но если вы тот, кому посчастливилось сохранить постоянную работу во время пандемии (апрель прошлого года, США.S. уровень безработицы достиг самого высокого уровня со времен Великой депрессии), и у вас есть лишние деньги, и вы провели последний год, глядя на глухие стены своего дома с нарастающей тоской — просто наличие этих денег не означает автоматически владение произведением искусства. С чего начать? На что следует обратить внимание? Мир искусства — это тоже не пикник, и если вы когда-нибудь чувствовали себя отчужденными или испуганными, входя в галерею, успокойтесь, зная, что вы не одиноки. Нередко начинающий покупатель искусства подходит к галерее и без всякой иронии спрашивает, какие еще произведения искусства есть в его коллекции.А учитывая крайнюю изменчивость цен, которые могут существенно вырасти в одночасье по результатам продажи на вторичном рынке в аукционном доме, трудно даже понять, сколько что-то должно стоить и почему. Тренды появляются быстро и так же быстро сгорают. (Если вы не можете вспомнить ни одно из названий, связанных с чем-то, что называется формализмом зомби, или если вы даже немного не понимаете сам термин, опять же, вы тоже не одиноки.) Говоря об этом, мир криптовалюты впервые в этом году вышла на высокий уровень арт-рынка, когда NFT — честно говоря, не спрашивайте — созданный 39-летним художником, известным как Beeple, был продан за 69 долларов.3 миллиона на аукционе Christie’s. Десять дней спустя Кэмерон Винклвосс, который вместе со своим братом-близнецом Тайлером, по оценкам, владеет криптовалютой на сумму более 2 миллиардов долларов, опубликовал в Твиттере сообщение: «NFT освобождают искусство. Традиционное искусство ограничено временем и пространством. Вы должны быть в правильном городе, пойти в музей, быть приглашенным в чей-то дом и т. д. Любой человек в любом месте, где есть подключение к Интернету, может просматривать NFT и принимать их. Это огромный прорыв». В любом случае, я уверен, что все это закончится хорошо для всех участников.Я имею в виду, что есть много способов — даже новых способов — потратить деньги на искусство, и, возможно, не все из них для вас!

В качестве введения и проводника в этот мир мы задали экспертам — коллекционерам, галеристам, арт-дилерам, художникам, консультантам — теоретически простой вопрос: как вы покупаете произведение искусства? Вот что они должны были сказать. — М.Х. Миллер

25 самых влиятельных произведений американского искусства протеста со времен Второй мировой войны

DS: Вопросы мира искусства и денег не так уж интересны.В искусстве много денег. Есть много людей, которые используют свои деньги, чтобы попытаться изменить мир определенным образом. А для искусства нужны деньги. Некоторые люди более склонны делать работу, которая ничего не бросает, потому что, как ранее сказала Кэти, они беспокоятся о том, чтобы получить работу учителя. К счастью, Кэти решила сделать работу, которую ей нужно сделать.

Я думаю, что вопрос о том, как происходят изменения и какие изменения вы пытаетесь осуществить, очень важен. Часть судебной архитектуры была великолепна.Я рад, что это способствовало уходу Кандерса, это фантастика. Но если наша лакмусовая бумажка состоит в том, что мы сделали А и произошло Б — я имею в виду, , можете ли вы сказать, что Наездники Свободы непосредственно привели к краху Джима Кроу? Нет, вы не можете, но вы можете сказать, что это было решающим фактором для движения за гражданские права, куда бы оно ни шло. Точно так же вы не можете сказать, что работа Эмори Дугласа была напрямую перенесена в Black Lives Matter, но вы можете сказать, что без этой работы и иконографии поколение, которое пришло позже и думало о системных изменениях, не имело бы того же фундамента, чтобы стоять. на.

Когда Ширин сказала, что Америка становится все больше похожей на Иран: я искренне уважаю точку зрения человека, который жил в стране, где считается, что если вы говорите определенные вещи, правительство может вас исчезнуть или убить. Это отличается от современных США. Но давайте будем честными, в Соединенных Штатах право собственности на людей и предоставление людям возможности делать с ними все, что они хотят, было совершенно нормальным в течение первых 80 лет. Для линчевателей было совершенно нормально убивать людей, а затем предстать перед судом и даже признаться в том, что они сделали, но потом сказать: «Послушайте, мы белые люди, вот что мы делаем, мы крутые, верно?» Вот что такое Америка.Искусство, которое меня больше всего интересует, бросает вызов нашим основополагающим предположениям — будь то , кризис СПИДа, война во Вьетнаме или движение за гражданские права. Искусство, которое меняет представления людей, помогает им более дальновидно увидеть мир, в котором мы живем, и то, как он может измениться на самом деле. Независимо от того, существует ли эта работа в революционной газете или на улицах, существует ли она в обеспечении водой людей Флинт или в музейном пространстве — как работа Джейкоба Лоуренса, которую я номинировал, которая бросает вызов тому, как люди видят порабощенных людей.Идеи имеют огромное значение для того, где стоят ваши ноги. Вы укрепляете статус-кво или бросаете вызов какому-то фундаментальному предположению о том, как мы видим себя?

CO: Одна из вещей, которые Дред сказал, что действительно важно, это то, что даже если мы все здесь, в наших маленьких окнах на Zoom во время чертовой пандемии, что такое коллективность? Что дело не обязательно в единственном голосе или в чем-то подобном, так сказать, в единственности, но в коллективности.Речь идет о нас как о художниках, кураторах, мыслителях и писателях, когда мы начинаем формировать мнение о времени, в котором живем. Я преподаю и преподаю уже 30 лет. Я постоянно слышу опасения молодых людей, потому что я регулярно бываю с 18- до 26-летних. Они действительно, действительно чувствуют, что быть художником больше не имеет значения. Меня расстраивает, что так много их мнений типа: «Боже мой, это уже слишком, понимаете?» Вы знаете, между изменением климата, глобальным потеплением и расизмом они просто думают: «Что я могу добавить к этому?» Я постоянно говорю им, что речь идет о коллективе по отношению к вам, индивидуально отвечающему на вопросы, которые важны для вас и затем пытается создать представление в этом.Это то, что мы должны помнить, так сказать, немного оптимизма в невероятном море бедствий.

РХ: Это действительно душераздирающе. Дред, когда вы упомянули «Всадников свободы», я подумал о том, как, готовясь к сидячим забастовкам, они разыгрывали для себя фиктивные сценарии. Они и другие активисты за гражданские права репетировали такие вещи, как выдувание дыма им в лицо или разбивание тарелки об пол. И я думаю о хореографии, необходимой для подготовки к этим действиям.Кэти, мне так любопытно, как мы говорим о творчестве и как мы говорим об искусстве в мире, потому что эти молодые люди мыслили творчески способами, которые, возможно, отличаются от художников, но все же аналогичны. Сейчас мы находимся в таком моменте, когда мы видим, как люди всех возрастов спрашивают, что они могут делать по-другому. Но также — как выглядит мир без художников? Никто не хочет жить в этом мире, даже если мы целыми днями смотрим Netflix. Все, что мы делаем, чтобы оставаться в здравом уме, особенно во время этой пандемии, возвращается к тому, чтобы быть художником.

SN: Это заставляет меня думать об Иране после революции, где, знаете ли, мы сразу же вступили в войну с Ираком, у нас было ужасное правительство, мы были изолированы от мира, экономика была кошмаром, было угнетение , не было свободы слова. И как ни странно, культурное сообщество полностью активизировалось. Это было действительно невероятно. Он создал эту процветающую культуру. Кризис — а мы сейчас сталкиваемся с любым кризисом, социальным, политическим, экологическим — на самом деле очень способствует созданию великого искусства.Это момент перехода в американском обществе. Для тех молодых студентов, которые разочаровались, учитывая все, через что мы проходим — и вы знаете, даже я в течение этих последних шести месяцев сомневался в ценности того, чтобы быть художником. Неудивительно, что они задают такие вопросы. Но я очень оптимистичен, что эта среда будет способствовать более радикальной работе и переосмыслению того, что такое искусство за пределами галерей и музеев. Чтобы найти способы, с помощью которых художники будут более вовлечены в это общество, в свои сообщества и будут намного эффективнее, чем мы раньше.

TLF: Никил, вы редактор и писатель, но недавно вы выиграли предварительные выборы демократов за место в Сенате штата Пенсильвания, которое станет вашим первым политическим постом. Можете ли вы рассказать нам немного о вашей точки зрения?

NS: Сотрудники Художественного музея Филадельфии только что объединились в профсоюз государственного сектора. И факультет, в который входит дополнительный факультет из Университета искусств в Филадельфии, также организует и формирует профсоюз.Я думаю, это происходит отчасти из-за разочарования. Это говорит о том, что вы говорили, Кэти, что эти институты мира искусства, по сути, являются недвижимостью — что они могут чувствовать себя антидемократическими в действительно материальных отношениях, а не только в культурных отношениях. Поэтому, если вы чувствуете, что во всем этом нет смысла, возможно, точка на самом деле более горизонтальна. Это не мне нужно сделать это, мне нужно победить как художник . Потому что вы начинаете видеть, что победа имеет свою цену, и лишь немногие выигрывают, а масса людей едва сводит концы с концами.Как только вы начинаете это понимать, как только вы видите, что ваша судьба связана с другими людьми вокруг вас, я думаю, вы понимаете часть радикализма, о котором говорила Ширин. Я могу говорить только как писатель и редактор — и я не застрахован от тех же сил, которые влияют на мир искусства — но я думаю, вы начинаете чувствовать, что здесь действует определенная меритократическая ложь. Люди начинают понимать, что не только талант помогает вам добиться успеха, что вы полностью сломлены своей расой, классом и статусом.Поэтому нам нужно начать захватывать институты и демонтировать их, чтобы мы могли что-то изменить.

CO: Я думаю, это очень важно сказать. Одна из причин, по которой люди должны идти в политику, и особенно почему люди должны голосовать, заключается в том, что если мы не будем использовать существующую демократию, которая у нас есть, включая демократию наших голосов как артистов, то где мы окажемся? Я время от времени входил в совет Лос-Анджелесского музея современного искусства — я давно ушел в знак протеста, но вернулся — и хотя мои коллеги-художники критиковали меня, я действительно думаю, что если мы все будем в стороне, от этих досок то что осталось? Лучше ли быть активным в нем и создавать эти дискурсы, чем просто вскидывать руки и говорить: «Я не могу создать изменения.Я постоянно говорю своим ученикам: «Вперед, идите туда». Посмотрите на что-то со всех сторон, потому что нет единого ответа. А изменения, к сожалению, занимают очень много времени.

TLF: Мне интересно: можем ли мы определить протестное искусство по его отклику? Многие работы, перечисленные здесь, вызвали порицание или возмущение. Ужас, Джордж Х.У. Буш сказал, что ваша первая работа с флагом [«Как правильно вывешивать флаг США?» (1988)] было —

DS: Позорище. Что я подумал, было огромным комплиментом.

TLF: Можем ли мы взять отклик на некоторые из этих работ и использовать их как призму, чтобы посмотреть, насколько они эффективны?

DS: В некоторых случаях я так думаю. То, что президент Соединенных Штатов назвал произведение студента бакалавриата художественной школы Среднего Запада позорным, для меня было чем-то вроде: «Ну, если президенту не нравится то, что я делаю, и он знает, что я существую, я хочу делать это до конца своей жизни.Но я думаю, что эта работа предвещала многое из того, о чем мы говорим до сих пор. Посмотрите на кого-нибудь вроде Колина Каперника, чей протест в определенном смысле является его редукцией.

Реакция на произведение не может быть единственной лакмусовой бумажкой. Я не думаю, что Act Up существовал бы в том виде, в каком он существовал, и имел бы такой эффект без «Silence = Death». Это повлияло на то, как движение распространилось по всему миру, что действительно важно. Таким образом, «реакция» — это не просто реакция на подавление, это также то, как она воспринимается сообществом.Например, некоторые из самых интересных работ Ай Вэйвэя больше всего ненавидят китайское правительство. В западных художественных кругах его прославляют как китайского диссонанса, и есть способы превратить это в товар, но я думаю, что его самая интересная работа — это когда он обратился к сообществу, чтобы перечислить имена всех, кто был убит из-за халатности правительства во время событий 2008 года. Сычуаньское землетрясение. Его работа была не просто раскритикована президентом, она была буквально объявлена ​​вне закона. Это важно, но я также думаю, что есть действительно отличная работа, которая не получает такого отклика, но все же очень важна.Особенно работа, которая в разные моменты истории концентрирует идеи людей или понимание чего-то, что на самом деле не было сформулировано. Вспомните песню «Огайо» Кросби, Стиллза, Нэша и Янга или песню Кендрика Ламара «Хорошо», которую люди пели во время акции протеста Джорджа Флойда. Есть много работ, которые имеют такой резонанс, который не обязательно связан с движением, но затем становится важным.

SN: Я не был в Иране с 1996 года, потому что правительство считает мою работу проблематичной.У меня там семья, и я всегда думаю о том, как иранское правительство воспримет мою работу. Моими критиками являются Исламская Республика Иран, но у меня также есть искусствоведы в западном мире. Так что это был интересный вызов на протяжении многих лет, и я научился с ним справляться. Иногда я избегаю общения со СМИ, потому что беспокоюсь о своей матери и своей семье в Иране. Мне пришлось ввести самоцензуру, хотя я живу за пределами Ирана, потому что я боюсь правительства и того, как оно отомстит.

TLF: Я хочу задать последний вопрос — возможно, он немного наивен — , но есть ли произведение искусства, которое вселяет в вас чувство оптимизма на данный момент? Многие работы, которые мы номинировали, вызывают много гнева, но также и много радости. Что приносит вам радость?

CO: Я пойду первым. На самом деле я не буду выделять работу. Я снова думаю о нашем коллективном голосе, об этом коллективном мнении и о том, как мы отражаем его в различных средствах массовой информации — будь то газетная статья, роман или произведение искусства.Я с оптимизмом смотрю на продолжение борьбы за человечество и справедливость для всех. Но я не могу выделить какую-то часть, потому что надеюсь, что все это каким-то образом захлестнет нас.

SN: Я не художник и не специалист по живописи, но Марлен Дюма — художница, чьи работы вызывают во мне столько эмоций. Как сказала Кэти, есть произведения искусства, которые выходят за рамки политических и социальных проблем и становятся более первичными в обращении к нашей человечности — боли, тайнам и нашим коллективным страданиям — а также к красоте.Ее работа трогает меня, и это необъяснимо, на самом деле. Я не знаю, кто она, я никогда с ней не встречался, но ее работа просто убивает меня. Я думаю, что эмоции от ее искусства очень сильны, особенно в наше время.

23. Рой ДеКарава, «Пять мужчин», 1964

Книга Эндрю Стромбека «Сделай сам на Нижнем Ист-Сайде» – ARTnews.com

В 1970-х годах Нью-Йорк выглядел как город в упадке. Мэрия имела дефицит с 1960-х годов, занимая деньги, чтобы сбалансировать бюджет, но весной 1975 года банки, которые поддерживали город на плаву, отказались предоставлять дополнительные кредиты, что спровоцировало финансовый кризис. К 16 октября Нью-Йорк был на грани банкротства, которое, как известно, президент Джеральд Форд отказался облегчить. Муниципальная корпорация помощи, комитет, созданный несколькими месяцами ранее для управления городскими финансами и состоящий почти исключительно из банкиров, сосредоточился на обеспечении жесткой экономии.Эта политика была подкреплена в 1978 году созданием Совета по чрезвычайному финансовому контролю, который также занимался поиском рыночных решений проблемы нехватки средств. Этот незаметный захват ключевых государственных функций финансистами привел в краткосрочной перспективе к массовым увольнениям государственных служащих, сворачиванию социальных услуг и распространению самого мощного символа того, что стало известно как «Город страха»: заброшенных доходные дома. Подожженные бездельниками-арендодателями в Южном Бронксе и занятые художниками в качестве сквотов в Нижнем Ист-Сайде, эти постройки и их окрестности породили две самые влиятельные арт-сцены в истории Нью-Йорка, если не во всем мире.Художники боролись с бесхозяйственностью правительства, как и следовало ожидать: сублимируя свое разочарование, рассматривая преобразование города как свою тему и свою причину.

Статьи по Теме

В долгосрочной перспективе финансовый кризис способствовал финансиализации экономики города, плановой джентрификации и грубым ошибкам в борьбе с эпидемией СПИДа. Вслед за историком Кимом Филлипс-Фейном и другими Эндрю Стромбек, профессор английского языка в Государственном университете Райта, утверждает в статье «Сделай сам в Нижнем Ист-Сайде: книги, здания и искусство после финансового кризиса 1975 года» , что эта экономическая реконфигурация Нью-Йорка способствовала к более широкому разрушению «длинных сетей фордистской экономики».Алан Гринспен, председатель Совета экономических консультантов при президенте Форде, превратил кризис в оружие, чтобы выступить за «новую моральную политику», которая проповедовала финансовую ответственность и сокращение государственных расходов, обеспечивая идеологический план современной Республиканской партии. Художники и писатели в центре города, утверждает Стромбек, нашли новые способы «сделать это самостоятельно», под которыми он подразумевает гораздо больше, чем изготовление домашней одежды или журналов. Мандат на суету, вызванный сокращением сети социальной защиты, привел к примитивной версии сегодняшней гиг-экономики и предоставил новую модель идеального рабочего: «люди, которые любят свою работу, ценят творчество и не возражают против сверхурочной работы без оплаты». .Хотя этим «работникам культуры», как предпочитает их называть Стромбек, можно приписать облагораживание Нижнего Ист-Сайда (и, косвенно, остальной части Нью-Йорка, Сан-Франциско и всего мира), они также практиковали политику сообщество и сопротивление, которые продемонстрировали «возможность жить и творить вне самоуправления, которого требует постфордистская работа».

Стромбек видит отражение этого поворотного момента в экономической, политической и культурной истории в творчестве жителей Нью-Йорка, которые во время финансового кризиса занимались искусством: он посвящает главы Гордону Матта-Кларку и Дэвиду Войнаровичу; художник Мартин Вонг, писатели Мигель Алгарин, Бимбо Ривас и другие члены Nuyorican Poets Cafe, некоммерческого пространства для представлений, основанного в Alphabet City в 1973 году; писатели-критики Кэти Акер, Гэри Индиана и Линн Тиллман; и редакторы небольших журналов Semiotext(e) и Between C&D .Этос DIY, порожденный жесткой экономией и представленный в этой работе, представляет для Стромбека «утопическую возможность в момент разрушения фордизма», когда наша нынешняя реальность Amazon, Uber, TaskRabbit и OnlyFans могла бы пойти другим путем. Именно под рубрикой точечно-матричных печатных журналов и витринных галерей, самодельной защиты арендаторов, внешкольных программ и банковского дела искусство процветало в трудные времена, в физических пространствах, освоенных художниками, чьи формальные изобретения отражали условия жизни. их жизни.

По мнению Стромбека, монологи, собранные Войнаровичем в журнале « Waterfront Journals » (1978–1980), сохраняют «повествовательный отчет о жизнях, которые появляются в уголках заброшенного ландшафта посткризисного города только для того, чтобы исчезнуть под влиянием логики реконструкции козла отпущения низшего класса.Войнарович курсировал по пирсам Вест-Сайда под видом антрополога-любителя (роль, которую он будет повторять с более рьяными политическими намерениями на фоне кризиса СПИДа и культурных войн), в то время как Матта-Кларк создавал искусство из заброшенных зданий в Бронксе, незаконно вырезая отверстия, которые отмечали их неотъемлемую ценность. Теоретическая переоценка этих зданий в произведения искусства из-за его иссечений пародировала эксплуатацию кварталов недвижимостью с целью получения прибыли, что Стромбек считает противоположным левой позиции художника, указателем «к частно-государственным моделям развития, которые предполагали бы больше и больше». больше первенства после финансового кризиса», и завершается High Line.

Но Челси — это не Нижний Ист-Сайд, и не Бронкс, и даже не Сохо, и благовидная география Стромбека предполагает неточность аутсайдера. Матта-Кларк не жил и не работал в Нижнем Ист-Сайде, и хотя наследие Semiotext(e) слилось с мифом о даунтауне из-за писателей, которых он публиковал, журнал был основан на окраине города, в кампусе университета. Колумбийский университет. Стромбек быстро осуждает дилетантские попытки объяснить Нью-Йорк жителям Нью-Йорка, когда они появляются, например, в работе французского философа Феликса Гваттари, который представил публике бестактную статью о «черных в Гарлеме» на конференции Semiotext(e). ) Конференция «Шизо-культура» в Колумбии в ноябре 1975 года, разделяющая законопроект с Мишелем Фуко, Жилем Делёзом, Уильямом Берроузом и Джоном Кейджем.Как отмечает сам Стромбек, новшества негритянской культуры в Гарлеме и Бронксе в то время были далеко не незначительными, и неточность его кругозора делает их отсутствие здесь бросающимся в глаза. DIY в Нижнем Ист-Сайде не претендует на то, чтобы быть всесторонней историей, но его тематические исследования предлагают вариации на тему, а не связный тезис о Нижнем Ист-Сайде, связывая наиболее радикальные энергии Нью-Йорка 70-х годов с районом по ассоциации .

Аргументация книги основывается на «неизгладимом следе», оставленном финансовым кризисом в искусстве и писательстве того периода, «определяющем способы» ее авторов «мыслить о способах жизни, работы и творчества.Некоторые из них (Войнарович, нуйориканские поэты) были плодовитыми активистами, но Стромбек хвалит Между редакторами C&D Джоэлом Роузом и Кэтрин Тексье, особенно за то, что они «документируют центр города, а не курируют его», выполняя функции «археологов», а не пытаясь (и неизбежно терпя неудачу) «представлять» Нижний Ист-Сайд. Терминологическое различие Стромбека (и случайные отклонения) подразумевает конфликт между документальным и репрезентативным способами, который его методы, основанные на французской социологии, «поверхностном чтении» и «посткритике», не могут раскрыть.Внимание книги к Индиане и Тиллману приветствуется, поскольку они заслуживают большего признания в области литературоведения, чем получили, но анализ не всегда так проницателен, как полагает Стромбек. Его объяснения часто бывают слишком поверхностными или аллюзивными, как, например, в мимолетной оценке истории из Индианы как «типично странной» или в настойчивом утверждении, что колонки Тиллмана «Мадам реализм», многие из которых изначально были написаны для этого журнала, «предвосхищают» критическую практику. философ Жак Рансьер.Можно было бы надеяться найти больше жизни в произведении якобы биографической критики, чем Стромбек, кажется, готов предоставить: что насчет дружбы, соперничества и романов художников — или редких находок, таких как ранний рассказ Энтони Бурдена в между C & D , на который ссылаются без комментариев?

Одной из причин этого может быть чистое честолюбие проекта Стромбека, который преодолевает дисциплинарные границы в поисках концепции «сделай сам», которая является не только эстетической, но и политической: хотя «сделай сам» поглощен самим поздним капитализмом, — пишет он, — мы можем тем не менее увидеть в DIY желание способов жизни за пределами работы.Включение Аккера, уже ставшего предметом обширных научных исследований, кажется поверхностным, и не совсем понятно, почему художественная критика Тиллмана и Индианы, написанная по заказу, отредактированная и оплаченная устаревшими публикациями, принадлежит к этой генеалогии. Но исследование Стромбека о между C&D , Nuyorican Poets Cafe и El Bohio, заброшенном здании государственной школы, преобразованном общественной организацией Charas в театр и центр искусств, вносит поправку в более циничные описания посткультурной контркультуры. 1975 г., разработав идеал, который «означал взять в свои руки то, что правительство перестало предоставлять», тот, который был «благонамеренным и замешанным, активным и предприимчивым.

Не совсем обнадеживает тот факт, что пионеры джентрификации не менее двойственно относились к тому, чтобы ставить других в невыгодное положение ради простого существования, чем нынешний класс якобы прогрессивных урбанистов, для которых колониализм в сфере недвижимости является нормой. Тем не менее архив богат тем, что могло быть до Starbucks и Giuliani. Неолиберализму еще не удалось убить Нью-Йорк навсегда, но во времена кризиса сообщества не могут жить только за счет взаимопомощи, и потребуется гораздо больше, чем отношение «сделай сам», чтобы обеспечить будущее для людей, зданий и искусства. которые называют город домом.

Эта статья опубликована в выпуске за ноябрь/декабрь 2020 г., стр. 72–73.

Руководство по анализу искусства

Умение написать формальный анализ произведения искусства является фундаментальным навыком, которому обучаются на занятиях по оценке искусства. Учащиеся, изучающие историю искусств и старшие классы, развивают этот навык. Используйте этот лист в качестве руководства при написании официальной аналитической работы. Учтите следующее при анализе произведения искусства. Не все применимо к каждому произведению искусства, и не всегда полезно рассматривать вещи в указанном порядке.При любом анализе имейте в виду следующее: КАК и ПОЧЕМУ это значимое произведение искусства?

Часть I – Общая информация

1. Во многих случаях эту информацию можно найти на этикетке или в путеводителе по галерее. В галерее может быть доступно заявление художника. Если да, укажите в своем тексте или в сноске или примечании к своей статье, откуда вы получили информацию.
2. Предмет (Кто или что представлено?)
3. Художник или Архитектор (Что это сделал человек или группа? Часто это неизвестно.Если есть имя, называйте этого человека художником или архитектором, а не «автором». Обращайтесь к этому человеку по фамилии, а не фамильярно по имени.)
4. Дата (Когда это было сделано? Это копия чего-то более старого? Это было сделано до или после других подобных работ?)
5. Происхождение (Где это было сделано? Для кого? Типично ли это для искусства той или иной географической области?)
6. Местоположение (Где сейчас произведение искусства? Где оно изначально находилось? Смотрит ли зритель на него вверх или вниз? Если оно не на своем первоначальном месте, видит ли зритель его так, как задумал художник? его видно со всех сторон или только с одной?)
7. Техника и среда (из каких материалов сделано? как выполнено? насколько оно большое или маленькое?)

Часть II – Краткое описание

В нескольких предложениях опишите работу.На что это похоже? Это представление чего-то? Расскажите, что изображено. Это абстракция чего-то? Расскажите, что является предметом и какие аспекты подчеркнуты. Это беспредметная работа? Расскажите, какие элементы преобладают. Этот раздел еще не является анализом работы, хотя здесь могут использоваться некоторые термины, использованные в Части III. Этот раздел состоит в основном из нескольких предложений, чтобы дать читателю представление о том, как выглядит произведение.

Часть III – Форма

Это ключевая часть вашего документа.Это должна быть самая длинная часть бумаги. Будьте уверены и подумайте, является ли выбранное произведение искусства двухмерным или трехмерным произведением.

Художественные элементы

1. Линия (прямая, изогнутая, угловая, плавная, горизонтальная, вертикальная, диагональная, контурная, толстая, тонкая, подразумеваемая и т. д.)
2. Форма (какие фигуры создаются и как)
3. Свет и тон (источник, плоский, сильный, контрастный, равномерный, оттенки, акцент, тени)
4. Цвет (основной, вторичный, смешанный, дополнительный, теплый, холодный, декоративный, значения)
5. Текстура и рисунок (реальный, подразумеваемый, повторяющийся)
6. Пространство (глубина, перекрытие, виды перспективы)
7. Время и движение

Принципы проектирования

1. Единство и разнообразие
2. Баланс (симметрия, асимметрия)
3. Акцент и субординация
4. Масштаб и пропорция (вес, отношение объектов или фигур друг к другу и настройка)
5. Масса/Объем (трехмерное искусство)
6. Ритм
7. Функция/настройка (архитектура)
8. Взаимосвязь интерьера и экстерьера (архитектура)

Часть IV – Мнения и выводы

Это часть статьи, в которой вы выходите за рамки описания и предлагаете заключение и свое собственное обоснованное мнение о работе.Любые заявления, которые вы делаете о работе, должны быть основаны на анализе, приведенном выше в Части III.

1. В этом разделе обсудите, как и почему ключевые элементы и принципы искусства, используемые художником, создают смысл.
2. Поддержите обсуждение содержания фактами о работе.

Общие предложения

1. Обратите внимание на дату подачи бумаги.
2. У вашего преподавателя может быть список «одобренных работ», о которых вы можете написать, и вы должны знать, когда галереи UALR, галереи Центра искусств Арканзаса или другие выставочные площади открыты для публики.
3. Вы должны выделить время, чтобы просмотреть работу, о которой вы планируете написать, и сделать заметки.
4. Всегда выделяйте курсивом или подчеркивайте названия произведений искусства. Если название длинное, вы должны использовать полное название при первом упоминании, но можете сократить название для последующих списков.
5. Используйте настоящее время при описании произведений искусства.
6. Будьте конкретны: не ссылайтесь на «изображение» или «произведение искусства», если точнее «рисунок», «живопись» или «фотография».
7. Помните, что любая информация, которую вы используете из другого источника, будь то ваш учебник, настенное панно, музейный каталог, художественный словарь, Интернет, должна быть задокументирована сноской.Невыполнение этого требования считается плагиатом и нарушением поведенческих стандартов университета. Если вы не понимаете, что такое плагиат, перейдите по этой ссылке на веб-сайте UALR Copyright Central: https://ualr.edu/copyright/articles/?ID=4
.
8. Правильную форму сноски можно найти на веб-сайте Департамента искусств UALR или в «Кратком руководстве по написанию статей об искусстве» Барнета, которое основано на Чикагском руководстве по стилю. Стиль MLA неприемлем для работ по истории искусства.
9. Дайте время вычитать статью.Прочтите это вслух и посмотрите, имеет ли это смысл. Если вам нужна помощь по техническим аспектам письма, воспользуйтесь университетским центром письма (569-8343) или онлайн-лабораторией письма. https://ualr.edu/writingcenter/
10. При необходимости обратитесь за помощью к инструктору.

Дополнительная информация

Для получения дополнительной информации и дополнительных обсуждений написания формального анализа см. следующее. Некоторые из этих источников также дают много информации о написании исследовательской работы по истории искусства, то есть статьи более амбициозной по объему, чем формальный анализ.

М. Гетлейн, Книга Гилберта « Жизнь с искусством» (10-е издание, 2013 г.), стр. 136-139 представляет собой очень краткий анализ одной работы.

M. Stokstad and M.W. Cothren, Art History (5-е издание, 2014 г.), «Starter Kit», стр. xxii-xxv представляет собой краткий план.

С. Барнет, Краткое руководство по написанию статей об искусстве (9-е издание, 2008 г.), стр. 113-134 посвящен формальному анализу; вся книга отлично подходит для всех видов письменных заданий.

Р. Дж. Белтон, История искусства: предварительный справочник http://www.ubc.ca/okanagan/fccs/about/links/resources/arthistory.html, вероятно, более полезен для исследовательской работы по истории искусства, но части этого плана относятся к обсуждению формы произведения искусства.

визуальных элементов | Безграничная история искусства

Линия

Линия определяется как отметка, которая соединяет пространство между двумя точками, принимая любую форму по пути.

Цели обучения

Сравните и сопоставьте различные способы использования линии в искусстве

Ключевые выводы

Ключевые моменты

• Фактические линии — это линии, которые физически присутствуют, существующие как твердые соединения между одной или несколькими точками.
• Подразумеваемая линия относится к пути, по которому движется взгляд зрителя, следуя формам, цветам и формам по любому заданному пути.
• S traight или classic линии обеспечивают стабильность и структуру композиции и могут быть вертикальными, горизонтальными или диагональными на рабочей поверхности.
• Выразительные линии относятся к изогнутым линиям, которые усиливают ощущение динамизма произведения искусства.
• Линии контура или контура создают границу или путь вокруг края фигуры, тем самым очерчивая и определяя ее.«Пересекающиеся контурные линии» очерчивают различия в свойствах поверхности.
• Штриховые линии представляют собой серию коротких линий, повторяющихся с интервалами, как правило, в одном направлении, и используются для добавления теней и текстуры к поверхностям, в то время как перекрестные штриховые линии обеспечивают дополнительную текстуру и тон поверхности изображения и могут ориентироваться в любом направлении.

Основные термины

• Текстура Ощущение или форма поверхности или вещества; гладкость, шероховатость, мягкость и др.чего-либо.
• перекрестная штриховка :Метод изображения штриховки с помощью множества пересекающихся линий.
• строка :Путь через две или более точки.

Линия — важный элемент искусства, определяемый как знак, соединяющий пространство между двумя точками, принимая любую форму по пути. Линии чаще всего используются для обозначения формы в двухмерных работах, и их можно назвать древнейшими, а также наиболее универсальными формами нанесения знаков.

Существует множество различных типов линий, каждая из которых характеризуется тем, что их длина больше ширины, а также путями, по которым они идут. В зависимости от того, как они используются, линии помогают определить движение, направление и энергию произведения искусства. Качество линии относится к характеру, который представлен линией для того, чтобы оживить поверхность в той или иной степени.

Фактические линии — это линии, которые физически присутствуют, существующие как твердые соединения между одной или несколькими точками, в то время как подразумеваемые линии относятся к пути, по которому движется глаз зрителя, следуя форме, цвету и форме в произведении искусства. Подразумеваемые линии придают произведениям искусства ощущение движения и вовлекают зрителя в композицию. Мы можем видеть многочисленные подтексты в «Клятве Горация» Жака-Луи Давида , соединяющие фигуры и действия пьесы, проводя взгляд зрителя через разворачивающуюся драму.

Жак-Луи Давид, Клятва Горациев , 1784 : Многие подразумеваемые линии соединяют фигуры и действие пьесы, проводя взгляд зрителя через разворачивающуюся драму.

Прямые или классические линии придают композиции стабильность и структуру и могут быть вертикальными, горизонтальными или диагональными на поверхности работы. Выразительные линии относятся к изогнутым линиям, которые усиливают ощущение динамизма произведения искусства. Эти типы линий часто следуют по неопределенной траектории извилистых кривых. Линии контура или контура создают границу или путь вокруг края фигуры, тем самым очерчивая и определяя ее. Пересекающиеся контурные линии очерчивают различия в характеристиках поверхности и могут создавать иллюзию трехмерности, ощущение формы или оттенка.

Линии штриховки представляют собой серию коротких линий, повторяющихся с интервалами, как правило, в одном направлении, и используются для добавления теней и текстур на поверхности. Линии штриховки придают дополнительную текстуру и оттенок поверхности изображения и могут быть ориентированы в любом направлении. Слои перекрестной штриховки могут добавить поверхности изображения богатую текстуру и объем.

Свет и ценность

Значение относится к использованию света и тени в искусстве.

Цели обучения

Объясните художественное использование света и тени (также известное как «значение»)

Ключевые выводы

Ключевые моменты

• В рисовании изменение значения достигается путем добавления черного или белого цвета к цвету.
• Значение в искусстве также иногда называют «оттенком» для светлых оттенков и «оттенком» для темных оттенков.
• Значения, близкие к более светлому концу спектра, называются «высокими тональностями», а значения, расположенные к более темному концу, — «низкими тонами».
• В двухмерных произведениях искусства использование значения может помочь придать форме иллюзию массы или объема.
• Кьяроскуро была распространенной техникой в ​​живописи барокко и относится к четким тональным контрастам, примером которых являются очень яркие белые цвета, расположенные непосредственно на очень сдержанных темных тонах.

Основные термины

• chiaroscuro : Художественный прием, популярный в эпоху Возрождения, связанный с использованием преувеличенных световых контрастов для создания иллюзии объема.

Использование света и тени в искусстве называется ценностью. Величину можно подразделить на оттенок (светлые оттенки) и оттенок (темные оттенки). В живописи, в которой используется субтрактивный цвет, изменение значения достигается путем добавления к цвету черного или белого. Художники также могут использовать затенение, что относится к более тонкому манипулированию значением. Шкала значений используется для отображения стандартных вариаций тонов. Значения, близкие к более светлому концу спектра, называются высокими, а значения на более темном конце — низкими.

Шкала значений : Шкала значений представляет различные степени освещенности, используемые в произведениях искусства.

В двухмерных произведениях искусства использование значения может помочь придать форме иллюзию массы или объема. Это также придаст всей композиции ощущение освещения. Высокая контрастность относится к размещению более светлых областей непосредственно против гораздо более темных, поэтому их различие демонстрируется, создавая драматический эффект. Высокая контрастность также относится к наличию большего количества черного, чем белого или серого.Низкоконтрастные изображения получаются в результате совмещения средних значений таким образом, чтобы между ними не было большой видимой разницы, что создавало более тонкое настроение.

В живописи барокко техника светотени использовалась для создания очень драматических эффектов в искусстве. Chiaroscuro, что буквально означает «светлый-темный» на итальянском языке, относится к четким тональным контрастам, примером которых являются очень яркие белые цвета, расположенные непосредственно на очень сдержанных темных тонах. Сцены при свечах были обычным явлением в живописи барокко, поскольку они эффективно производили этот драматический эффект.Караваджо использовал высококонтрастную палитру в таких работах, как Отрицание Святого Петра , чтобы создать свою выразительную сцену светотени.

Караваджо, Отрицание Святого Петра , 1610 : Картина Караваджо Отречение Святого Петра является прекрасным примером того, как можно манипулировать светом в произведениях искусства.

Цвет

В изобразительном искусстве теория цвета представляет собой совокупность практических рекомендаций по смешиванию цветов и визуальному влиянию конкретных цветовых комбинаций.

Цели обучения

Выразите наиболее важные элементы теории цвета и использования цвета художниками

Ключевые выводы

Ключевые моменты

• Теория цвета впервые появилась в 17 веке, когда Исаак Ньютон обнаружил, что белый свет можно пропустить через призму и разделить на полный спектр цветов.
• Спектр цветов, содержащихся в белом свете, включает красный, оранжевый, желтый, зеленый, синий, индиго и фиолетовый.
• Теория цвета делит цвет на «основные цвета» красного, желтого и синего, которые нельзя смешать с другими пигментами, и «вторичные цвета» зеленого, оранжевого и фиолетового, возникающие в результате различных комбинаций основных цветов. .
• Первичные и вторичные цвета объединяются в различные смеси для создания третичных цветов.
• Дополнительные цвета расположены напротив друг друга на цветовом круге и представляют собой самый сильный контраст для этих двух цветов.

Основные термины

• Дополнительный цвет : Цвет, который считается противоположным другому цвету на цветовом круге (например, красный и зеленый, желтый и пурпурный, оранжевый и синий).
• значение :Относительная темнота или светлота цвета в определенной области картины или другого изобразительного искусства.
• основной цвет :любой из трех цветов, которые при добавлении или вычитании из других в различных количествах могут генерировать все остальные цвета.
• оттенок :Цвет рассматривается в сравнении с другими очень похожими цветами. Красный и синий — разные цвета, а два оттенка алого — разные оттенки.
• градация :Переход на небольшие ступени от одного тона или оттенка цвета к другому.
• оттенок :Цвет или оттенок цвета.

Цвет — это фундаментальный художественный элемент, относящийся к использованию оттенка в искусстве и дизайне. Это самый сложный из элементов из-за большого количества присущих ему комбинаций. Теория цвета впервые появилась в 17 веке, когда Исаак Ньютон обнаружил, что белый свет можно пропустить через призму и разделить на полный спектр цветов. Спектр цветов, содержащихся в белом свете, по порядку: красный, оранжевый, желтый, зеленый, синий, индиго и фиолетовый.

Теория цвета подразделяет цвет на «основные цвета»: красный, желтый и синий, которые нельзя смешивать с другими пигментами; и «вторичные цвета» зеленого, оранжевого и фиолетового, которые являются результатом различных комбинаций основных цветов.Первичные и вторичные цвета объединяются в различные смеси для создания «третичных цветов». Теория цвета основана на цветовом круге, диаграмме, показывающей взаимосвязь различных цветов друг с другом.

Цветовой круг : Цветовой круг представляет собой диаграмму, которая показывает отношение различных цветов друг к другу.

«значение» цвета относится к относительной светлоте или темности цвета. Кроме того, «оттенок» и «оттенок» являются важными аспектами теории цвета и являются результатом более светлых и более темных вариаций значений соответственно.«Тон» относится к градации или тонким изменениям цвета в более светлой или более темной шкале. «Насыщенность» относится к интенсивности цвета.

Аддитивный и субтрактивный краситель

Аддитивный цвет — это цвет, созданный путем смешивания красного, зеленого и синего цветов. Телевизионные экраны, например, используют аддитивный цвет, поскольку они состоят из основных цветов красного, синего и зеленого (RGB). Субтрактивный цвет, или «процессный цвет», действует как противоположность аддитивному цвету, и основными цветами становятся голубой, пурпурный, желтый и черный (CMYK).Общие применения субтрактивного цвета можно найти в печати и фотографии.

Дополнительный цвет

Дополнительные цвета можно найти прямо напротив друг друга на цветовом круге (фиолетовый и желтый, зеленый и красный, оранжевый и синий). При размещении рядом друг с другом эти пары создают самый сильный контраст для этих двух цветов.

Теплый и холодный цвет

Различие между теплыми и холодными цветами было важным, по крайней мере, с конца 18 века.Контраст, прослеживаемый этимологиями в Оксфордском словаре английского языка, по-видимому, связан с наблюдаемым контрастом в ландшафтном освещении между «теплыми» цветами, связанными с дневным светом или закатом, и «холодными» цветами, связанными с серым или пасмурным днем. Теплые цвета – это оттенки от красного до желтого, включая коричневый и коричневый. С другой стороны, холодные цвета — это оттенки от сине-зеленого до сине-фиолетового, включая большинство оттенков серого. Теория цвета описала перцептивные и психологические эффекты этого контраста.Говорят, что теплые цвета выступают вперед или кажутся более активными в картине, в то время как холодные цвета, как правило, отступают. Говорят, что теплые цвета, используемые в дизайне интерьера или моде, пробуждают или стимулируют зрителя, а холодные цвета успокаивают и расслабляют.

Текстура

Текстура относится к тактильным качествам поверхности арт-объекта.

Цели обучения

Распознать использование текстуры в искусстве

Ключевые выводы

Ключевые моменты

• Визуальная текстура относится к подразумеваемому ощущению текстуры, которое художник создает с помощью различных художественных элементов, таких как линия, штриховка и цвет.
• Фактическая текстура относится к физической визуализации или реальным качествам поверхности, которые мы можем заметить, прикоснувшись к объекту.
• Видимые мазки и разное количество краски создают физическую текстуру, которая может добавить картине выразительности и привлечь внимание к определенным областям внутри нее.
• Произведение искусства может содержать множество визуальных текстур, но при этом оставаться гладким на ощупь.

Основные термины

• тактильный :материальный; воспринимаемый на ощупь.

Текстура

Текстура в искусстве стимулирует зрение и осязание и относится к тактильным качествам поверхности произведения искусства. Он основан на воспринимаемой текстуре холста или поверхности, которая включает в себя нанесение краски. В контексте художественного произведения есть два типа текстуры: визуальная и актуальная. Визуальная текстура относится к подразумеваемому ощущению текстуры, которое художник создает с помощью различных художественных элементов, таких как линия, затенение и цвет.Фактическая текстура относится к физическому отображению или реальным качествам поверхности, которые мы можем заметить, прикоснувшись к объекту, например нанесению краски или трехмерному искусству.

Произведение искусства может содержать множество визуальных текстур, но при этом оставаться гладким на ощупь. Возьмем, к примеру, работы реалистов или иллюзионистов, которые основаны на интенсивном использовании краски и лака, но при этом сохраняют совершенно гладкую поверхность. На картине Яна Ван Эйка «Дева канцлера Ролена» мы можем заметить большую текстуру одежды и особенно мантий, в то время как поверхность работы остается очень гладкой.

Ян ван Эйк, Дева канцлера Ролена , 1435 : Дева канцлера Ролена имеет большую текстуру в одежде и мантии, но фактическая поверхность работы очень гладкая.

Картины также часто используют реальную текстуру, которую мы можем наблюдать при физическом нанесении краски. Видимые мазки и разное количество краски создадут текстуру, которая добавит картине выразительности и привлечет внимание к определенным областям внутри нее.Известно, что художник Винсент Ван Гог использовал в своих картинах большое количество реальных текстур, что заметно по густому нанесению краски на такие картины, как Звездная ночь .

Винсент Ван Гог, Звездная ночь , 1889 : Звездная ночь содержит большое количество реальной текстуры благодаря толстому нанесению краски.

Форма и объем

Форма относится к области в двумерном пространстве, определяемой краями; Объем трехмерен, имеет высоту, ширину и глубину.

Цели обучения

Дайте определение форме и объему и определите, как они представлены в искусстве

Ключевые выводы

Ключевые моменты

• «Положительное пространство» относится к пространству определенной формы или фигуры.
• «Негативное пространство» относится к пространству, которое существует вокруг и между одной или несколькими фигурами.
• «Плоскость» в искусстве относится к любой области поверхности в пространстве.
• «Форма» — это понятие, связанное с формой, которое может быть создано путем объединения двух или более фигур, в результате чего получается трехмерная форма.
• Искусство использует как фактический, так и подразумеваемый объем.
• Форма, объем и пространство, действительные или подразумеваемые, являются основой восприятия реальности.

Основные термины

• форма Форма или видимая структура художественного выражения.
• объем :Единица измерения трехмерного пространства, состоящая из длины, ширины и высоты.
• плоскость : Плоская поверхность, простирающаяся бесконечно во всех направлениях (например,г., горизонтальная или вертикальная плоскость).

Форма относится к области в двумерном пространстве, определяемой краями. Формы по определению всегда плоские по своей природе и могут быть геометрическими (например, круг, квадрат или пирамида) или органическими (например, лист или стул). Формы можно создать, поместив две разные текстуры или группы форм рядом друг с другом, тем самым создав замкнутую область, например, рисунок объекта, плавающего в воде.

«Положительное пространство» относится к пространству определенной формы или фигуры.Как правило, позитивное пространство является предметом художественного произведения. «Негативное пространство» относится к пространству, которое существует вокруг и между одной или несколькими формами. Позитивное и негативное пространство становится трудно отличить друг от друга в более абстрактных работах.

«Плоскость» относится к любой области поверхности в космосе. В двухмерном искусстве «картинная плоскость» — это плоская поверхность, на которой создается изображение, например бумага, холст или дерево. Трехмерные фигуры могут быть изображены на плоской картинной плоскости за счет использования художественных элементов для создания глубины и объема, как это видно на картине «Небольшой букет цветов в керамической вазе » Яна Брейгеля Старшего.

Ян Брейгель Старший, Небольшой букет цветов в керамической вазе, 1599 : Трехмерные фигуры могут быть изображены на плоской плоскости изображения с помощью художественных элементов, подразумевающих глубину и объем.

«Форма» — понятие, связанное с формой. Объединение двух или более фигур может создать трехмерную фигуру. Форма всегда считается трехмерной, поскольку она демонстрирует объем — или высоту, ширину и глубину. Искусство использует как фактический, так и подразумеваемый объем.

В то время как трехмерные формы, такие как скульптура, по своей природе имеют объем, объем также может быть смоделирован или подразумеваться в двухмерном произведении, таком как картина. Форма, объем и пространство — действительные или предполагаемые — являются основой восприятия реальности.

Время и движение

Движение, принцип искусства, — это инструмент, который художники используют для организации художественных элементов в произведении; он используется как в статических, так и в временных средах.

Цели обучения

Назовите некоторые приемы и средства, используемые художниками для передачи движения как в статических, так и в временных формах искусства

Ключевые выводы

Ключевые моменты

• Такие приемы, как масштаб и пропорция, используются для создания ощущения движения или течения времени в статичном визуальном произведении.
• Размещение повторяющегося элемента в разных местах произведения искусства — еще один способ изобразить движение и течение времени.
• Визуальные эксперименты со временем и движением были впервые произведены в середине 19 века, и фотограф Эдверд Мейбридж хорошо известен своими последовательными снимками.
• Основанные на времени средства кино, видео, кинетической скульптуры и перформанса используют время и движение по самому своему определению.

Основные термины

• кадров в секунду :Количество раз, когда устройство обработки изображений создает уникальные последовательные изображения (кадры) за одну секунду.Аббревиатура: ФПС.
• статический :Зафиксирован на месте; не имеющий движения.

Движение, или движение, считается одним из «принципов искусства»; то есть один из инструментов, которые художники используют для организации художественных элементов в произведении искусства. Движение используется как в статических, так и во временных средах и может показывать прямое действие или предполагаемый путь, по которому глаз зрителя должен следовать через произведение.

Такие приемы, как масштаб и пропорции, используются для создания ощущения движения или течения времени в статических визуальных произведениях.Например, на плоской картинной плоскости фоном будет казаться изображение, которое меньше и светлее, чем его окружение. Другой прием для обозначения движения и/или времени — это размещение повторяющегося элемента в разных местах произведения искусства.

Визуальные эксперименты со временем и движением были впервые произведены в середине 19 века. Фотограф Эдвард Мейбридж хорошо известен своими последовательными снимками людей и животных, идущими, бегущими и прыгающими, которые он показывал вместе, чтобы проиллюстрировать движение своих объектов.Картина Марселя Дюшана «Обнаженная, спускающаяся по лестнице», № 2 , иллюстрирует абсолютное ощущение движения от верхнего левого угла к нижнему правому углу произведения.

Марсель Дюшан, Обнаженная, спускающаяся по лестнице, № 2 , 1912 : Эта работа представляет концепцию Дюшана о движении и времени.

В то время как статичные формы искусства способны подразумевать или предлагать время и движение, основанные на времени средства кино, видео, кинетической скульптуры и перформанса демонстрируют время и движение самими своими определениями.Пленка — это множество статических изображений, которые быстро пропускаются через объектив. Видео — это, по сути, тот же процесс, но цифровой и с меньшим количеством кадров в секунду. Перформанс происходит в реальном времени и использует реальных людей и предметы, как в театре. Кинетическое искусство — это искусство, действие которого движется или зависит от движения. Все эти средства используют время и движение как ключевой аспект своих форм выражения.

Случайность, импровизация и спонтанность

Дадаизм, сюрреализм и движение Fluxus опирались на элементы случайности, импровизации и спонтанности в качестве инструментов для создания произведений искусства.

Цели обучения

Опишите, как дадаизм, сюрреализм и движение Fluxus полагались на случайность, импровизацию и спонтанность

Ключевые выводы

Ключевые моменты

• Дадаисты известны своим «автоматическим письмом» или письмом в потоке сознания, которое подчеркивает творчество бессознательного.
• Работы сюрреалистов, как и работы дадаистов, часто содержат элемент неожиданности, неожиданного сопоставления и обращения к бессознательному.
• Сюрреалисты известны тем, что изобрели рисунок «изысканного трупа».
• Движение Fluxus было известно своими «хэппенингами», которые представляли собой перформансы или ситуации, которые могли происходить где угодно, в любой форме и в значительной степени зависели от случая, импровизации и участия публики.

Основные термины

• хеппенинг :Спонтанное или импровизированное мероприятие, особенно такое, которое предполагает участие публики.
• сборка :Коллекция вещей, собранных вместе..

Случайность, импровизация и спонтанность — это элементы, которые можно использовать для создания искусства, или они могут быть самой целью самого произведения искусства. Любая среда может использовать эти элементы на любом этапе художественного процесса.

Марсель Дюшан, Писсуар , 1917 : Писсуар Марселя Дюшана является примером «реди-мейда», то есть предметов, которые были куплены или найдены, а затем объявлены искусством.

Дадаизм

Дадаизм — художественное течение, популярное в Европе в начале 20 века.Он был основан художниками и поэтами в Цюрихе, Швейцария, с сильными антивоенными и левыми настроениями. Движение отвергало логику и разум и вместо этого ценило иррациональность, бессмыслицу и интуицию. Марсель Дюшан был доминирующим членом дадаистского движения, известного тем, что выставлял «реди-мейды», то есть предметы, которые были куплены или найдены, а затем объявлены искусством.

Дадаисты использовали то, что было легко доступно, для создания так называемой «ассамбляжа», используя такие предметы, как фотографии, мусор, наклейки, проездные билеты и заметки.Работа дадаистов включала в себя случайность, импровизацию и спонтанность для создания искусства. Они известны использованием «автоматического письма» или письма в потоке сознания, которое часто принимало бессмысленные формы, но допускало возможность потенциально неожиданных сопоставлений и бессознательного творчества.

Сюрреализм

Сюрреалистическое движение, развившееся из дадаизма прежде всего как политическое движение, отличалось элементом неожиданности, неожиданного сопоставления и прослушивания бессознательного.Андре Бретон, важный член движения, написал манифест сюрреалистов, определив его следующим образом:

«Сюрреализм, н. Чистый психический автоматизм, с помощью которого предполагается выразить устно, письменно или каким-либо другим образом реальное функционирование мысли. Диктовка мысли при отсутствии всякого контроля со стороны разума, вне всякой эстетической и моральной озабоченности. “

Как и дадаизм до него, сюрреалистическое движение подчеркивало неважность разума и планирования и вместо этого в значительной степени полагалось на случайность и неожиданность как на инструмент для использования творчества бессознательного.Сюрреалисты известны тем, что изобрели рисунок «изысканного трупа» — упражнение, в котором слова и изображения совместно собираются одно за другим. Многие сюрреалистические техники, в том числе изысканный рисунок трупа, позволяли создавать искусство в игровой форме, придавая ценность спонтанному производству.

Механизм Fluxus

Движение Fluxus 1960-х годов находилось под сильным влиянием дадаизма. Fluxus была международной сетью художников, которые умело объединили множество различных дисциплин, и чьи работы характеризовались использованием экстремальной эстетики «сделай сам» (DIY) и в значительной степени промежуточных произведений искусства.Кроме того, Fluxus был известен своими «хэппенингами», которые представляли собой междисциплинарные перформансы или ситуации, которые могли происходить где угодно. Участие публики было важным в хэппенинге, и поэтому зависело от неожиданности и импровизации. Ключевые элементы хэппенингов часто планировались, но художники оставляли место для импровизации, что стирало границу между произведением искусства и зрителем, тем самым делая аудиторию важной частью искусства.

Включение всех пяти чувств

Включение пяти человеческих чувств в единое произведение чаще всего имеет место в инсталляции и перформансе.

Цели обучения

Объясните, как инсталляция и перформанс включают в себя пять чувств зрителя

Ключевые выводы

Ключевые моменты

• В современном искусстве работа, связанная со зрением, осязанием и слухом, довольно распространена, а обоняние и вкус — несколько реже.
• «Gesamtkunstwerk», или «тотальное произведение искусства», — это немецкое слово, которое относится к произведению искусства, пытающемуся воздействовать на все пять чувств человека.
• Арт-инсталляция — это жанр трехмерного искусства, призванный изменить восприятие пространства зрителем.
• Виртуальная реальность — это термин, который относится к смоделированной компьютером среде.

Основные термины

• хеппенинг :Спонтанное или импровизированное мероприятие, особенно такое, которое предполагает участие публики.
• виртуальная реальность :Реальность, основанная на компьютере.

Включение пяти чувств человека в единое произведение чаще всего происходит в инсталляции и перформансном искусстве.Кроме того, в работах, стремящихся задействовать все органы чувств одновременно, обычно используется какая-либо форма интерактивности, поскольку ощущение вкуса явно должно включать участие зрителя. Исторически такое внимание ко всем чувствам ограничивалось ритуалами и церемониями. В современном искусстве работа довольно часто обслуживает чувства зрения, осязания и слуха, в то время как искусство несколько реже обращается к чувствам обоняния и вкуса.

Немецкое слово «Gesamtkunstwerk», означающее «тотальное произведение искусства», относится к жанру художественного произведения, в котором делается попытка обратиться ко всем пяти чувствам человека.Эта концепция была представлена ​​немецким оперным композитором Рихардом Вагнером в 1849 году. Вагнер поставил оперу, стремившуюся объединить формы искусства, которые, по его мнению, стали слишком разрозненными. В операх Вагнера уделялось большое внимание каждой детали, чтобы достичь состояния полного художественного погружения. «Gesamkunstwerk» теперь является общепринятым английским термином, относящимся к эстетике, но он эволюционировал из определения Вагнера и означает включение пяти чувств в искусство.

Арт-инсталляция — жанр трехмерного искусства, призванный изменить восприятие пространства зрителем.«Набережная » Рэйчел Уайтрид иллюстрирует этот тип трансформации. Этот термин обычно относится к внутреннему пространству, в то время как ленд-арт обычно относится к открытому пространству, хотя между этими терминами есть некоторое совпадение. Движение Fluxus 1960-х годов является ключом к развитию инсталляции и перформанса как средств массовой информации.

Rachel Whiteread, Embankment , 2005 : Инсталляция Whiteread Embankment — вид искусства, призванный трансформировать восприятие пространства зрителем.

«Виртуальная реальность» — это термин, относящийся к смоделированной компьютером среде. В настоящее время большинство сред виртуальной реальности представляют собой визуальный опыт, но некоторые симуляции включают дополнительную сенсорную информацию. Иммерсивная виртуальная реальность развивалась в последние годы с развитием технологий и все больше затрагивает пять чувств в виртуальном мире. Художники исследуют возможности этих смоделированных и виртуальных реальностей с расширением дисциплины киберискусства, хотя то, что представляет собой киберискусство, по-прежнему вызывает споры.Такие среды, как виртуальный мир Second Life, общеприняты, но вопрос о том, следует ли считать видеоигры искусством, остается нерешенным.

Композиционный баланс

Композиционный баланс относится к размещению художественных элементов по отношению друг к другу в произведении искусства.

Цели обучения

Классифицировать элементы композиционного баланса в произведении искусства

Ключевые выводы

Ключевые моменты

• Гармоничный композиционный баланс предполагает расположение элементов таким образом, чтобы ни одна часть произведения не перевешивала и не казалась более тяжелой, чем любая другая часть.
• Три наиболее распространенных типа композиционного баланса: симметричный, асимметричный и радиальный.
• Сбалансированная композиция кажется стабильной и визуально правильной. Точно так же, как симметрия связана с эстетическими предпочтениями и отражает интуитивное ощущение того, как вещи «должны» выглядеть, общий баланс данной композиции способствует внешним суждениям о произведении.

Основные термины

• радиальный : Расположены в виде лучей, исходящих из общего центра или сходящихся к нему.
• симметрия :Точное соответствие по обе стороны от разделительной линии, плоскости, центра или оси. Удовлетворительное расположение сбалансированного распределения элементов целого.
• асимметрия :Отсутствие симметрии или пропорции между частями вещи, особенно отсутствие двусторонней симметрии. Отсутствие общей меры между двумя объектами или количествами; Несоизмеримость. То, что заставляет что-то быть несимметричным.

Композиционный баланс относится к размещению элементов искусства (цвет, форма, линия, форма, пространство, текстура и значение) по отношению друг к другу.Сбалансированная композиция кажется более стабильной и визуально приятной. Точно так же, как симметрия связана с эстетическими предпочтениями и отражает интуитивное ощущение того, как вещи «должны» выглядеть, общий баланс данной композиции способствует внешним суждениям о произведении.

Создание гармоничного композиционного баланса включает в себя расположение элементов таким образом, чтобы ни одна часть произведения не подавляла и не казалась более тяжелой, чем любая другая часть. Три наиболее распространенных типа композиционного баланса — симметричный, асимметричный и радиальный.

Композиционный баланс : Три общих типа баланса: симметричный, асимметричный и радиальный.

Симметричный баланс является наиболее стабильным в визуальном смысле и обычно передает ощущение гармоничной или эстетически приятной пропорциональности. Когда обе стороны произведения искусства по обе стороны от горизонтальной или вертикальной оси плоскости изображения одинаковы с точки зрения смысла, создаваемого расположением элементов искусства, считается, что произведение демонстрирует этот тип баланса.Противоположностью симметрии является асимметрия.

Леонардо да Винчи, Витрувианский человек , 1487 : Леонардо да Винчи Витрувианский человек часто используется как представление симметрии в человеческом теле и, соответственно, в естественной вселенной.

Асимметрия определяется как отсутствие или нарушение принципов симметрии. Примеры асимметрии обычно появляются в архитектуре. Хотя досовременные архитектурные стили, как правило, делали упор на симметрию (за исключением случаев, когда экстремальные условия местности или исторические события уводят от этого классического идеала), современные и постмодернистские архитекторы часто использовали асимметрию в качестве элемента дизайна.Например, в то время как большинство мостов имеют симметричную форму из-за внутренней простоты проектирования, анализа, изготовления и экономичного использования материалов, ряд современных мостов преднамеренно отошел от этой формы, либо в ответ на специфические соображения, либо для создания драматическое заявление дизайна. .

Оклендский мост через залив : Замена восточного пролета моста Сан-Франциско-Окленд через залив отражает асимметричный архитектурный дизайн.

Радиальный баланс относится к круговым элементам в композициях.В классической геометрии радиусом круга или сферы называется любой отрезок прямой от центра до периметра. В более широком смысле радиус круга или сферы — это длина любого такого сегмента, которая составляет половину диаметра. Радиус может быть больше половины диаметра, который обычно определяется как максимальное расстояние между любыми двумя точками фигуры. Внутренний радиус геометрической фигуры обычно равен радиусу наибольшего круга или сферы, содержащейся в ней. Внутренний радиус кольца, трубки или другого полого предмета равен радиусу его полости.Название «радиальный» или «радиус» происходит от латинского radius , что означает «луч», но также и спицу круглого колеса колесницы.

Ритм

Художники используют ритм как инструмент, направляющий взгляд зрителя по произведениям искусства.

Цели обучения

Распознавать и интерпретировать использование ритма в произведении искусства

Ключевые выводы

Ключевые моменты

• Ритм можно в целом определить как «движение, отмеченное регулируемой последовательностью сильных и слабых элементов или противоположных или различных состояний» (Анон.1971).
• Ритм может также относиться к визуальному представлению как «временное движение в пространстве» (Jirousek 1995), а общий язык паттернов объединяет ритм с геометрией.
• Например, размещение красной спирали слева внизу и справа вверху заставит глаз перемещаться от одной спирали к другой и ко всему промежуточному. Это указывает на движение в произведении за счет повторения элементов и, следовательно, может сделать произведение искусства активным.

Основные термины

• симметрия :Точное соответствие по обе стороны от разделительной линии, плоскости, центра или оси.Удовлетворительное расположение сбалансированного распределения элементов целого.

Принципы изобразительного искусства — это правила, инструменты и руководящие принципы, которые художники используют для организации элементов в произведении искусства. Когда принципы и элементы успешно сочетаются, они помогают создать эстетически приятное или интересное произведение искусства. Хотя между ними есть некоторые различия, движение, единство, гармония, разнообразие, баланс, ритм, акцент, контраст, пропорция и узор обычно считаются принципами искусства.

Ритм (от греческого ритмос , «любое регулярное повторяющееся движение, симметрия» (Лидделл и Скотт, 1996)) можно в целом определить как «движение, отмеченное регулируемой последовательностью сильных и слабых элементов или противоположных или различных состояний». (Анон. 1971). Это общее значение регулярного повторения или закономерности во времени может быть применено к широкому кругу циклических природных явлений, имеющих периодичность или частоту от микросекунд до миллионов лет. В исполнительском искусстве ритм — это синхронизация событий в человеческом масштабе, музыкальных звуков и тишины, шагов танца или размер разговорной речи и поэзии.Ритм может также относиться к визуальному представлению, как «временное движение в пространстве» (Jirousek 1995), а общий язык паттернов объединяет ритм с геометрией.

В визуальной композиции рисунок и ритм обычно выражаются посредством демонстрации согласованности цветов или линий. Например, размещение красной спирали внизу слева и вверху справа заставит глаз перемещаться от одной спирали к другой, а затем к промежуточному пространству. Повторение элементов создает движение взгляда зрителя и, следовательно, может сделать произведение искусства активным.« Svanen» («Лебедь») Хильмы аф Клинт иллюстрирует визуальное представление ритма с помощью цвета и симметрии.

Хильма аф Клинт, Сванен (Лебедь) , 1914 : Цвет и симметрия работают вместе в этой картине, направляя взгляд зрителя в определенный визуальный ритм.

Пропорции и масштаб

Пропорция — это измерение размера и количества элементов в композиции.

Цели обучения

Применение концепции пропорции к различным произведениям искусства

Ключевые выводы

Ключевые моменты

• Иерархическая пропорция — это техника, используемая в искусстве, в основном в скульптуре и живописи, в которой художник использует неестественные пропорции или масштаб для изображения относительной важности фигур в произведении искусства.
• Математически пропорция — это отношение между элементами и целым. В архитектуре целое — это не просто здание, а набор и обстановка на месте.
• Среди различных древних художественных традиций гармонические пропорции, человеческие пропорции, космические ориентации, различные аспекты сакральной геометрии и малые соотношения целых чисел применялись как часть практики архитектурного дизайна.

Основные термины

• золотое сечение :Иррациональное число (примерно 1·618), обычно обозначаемое греческой буквой φ (фи), которое равно сумме своего обратного числа и 1, или, что то же самое, таково, что отношение 1 к числу равно отношению его обратной величины к 1.Некоторые художники и архитекторы двадцатого века соразмеряли свои работы, чтобы приблизиться к этому – особенно в форме золотого прямоугольника, в котором отношение более длинной стороны к более короткой равно этому числу, – считая эту пропорцию эстетически приятной.

Пропорция – это измерение размера и количества элементов в композиции. Иерархическая пропорция — это техника, используемая в искусстве, в основном в скульптуре и живописи, в которой художник использует неестественные пропорции или масштаб для изображения относительной важности фигур в произведении искусства.Например, в древнеегипетском искусстве боги и важные политические деятели кажутся намного крупнее обычных людей. Начиная с эпохи Возрождения художники признавали связь между пропорцией и перспективой, иллюзию трехмерного пространства. Изображения человеческого тела в преувеличенных пропорциях использовались для изображения реальности, которую интерпретировал художник.

Изображение Нармера из палитры Нармера : Нармер, додинастический правитель, сопровождаемый людьми, несущими знамена различных местных богов.Это произведение демонстрирует использование пропорций древними египтянами: Нармер кажется больше, чем другие изображенные фигуры.

Математически пропорция — это отношение между элементами и целым. В архитектуре целое — это не просто здание, а набор и обстановка на месте. Факторы, которые делают здание и его участок «хорошо оформленными», включают в себя все, от ориентации участка и зданий на нем до особенностей территории, на которой оно расположено. Свет, тень, ветер, высота над уровнем моря и выбор материалов — все это относится к стандарту архитектурных пропорций.

В архитектуре часто используются пропорциональные системы для создания или ограничения форм, которые считаются подходящими для включения в здание. Почти в каждой строительной традиции существует система математических отношений, которая регулирует отношения между аспектами проекта. Эти системы пропорций часто довольно просты: отношения целых чисел или несоизмеримые отношения (например, золотое сечение) определялись с помощью геометрических методов. Как правило, целью пропорциональной системы является создание ощущения согласованности и гармонии между элементами здания.

Среди различных древних художественных традиций гармонические пропорции, человеческие пропорции, космические ориентации, различные аспекты сакральной геометрии и малые соотношения целых чисел применялись как часть практики архитектурного проектирования. Например, все греческие классические архитектурные ордера имеют пропорциональные, а не размерные или измеренные модули, потому что самые ранние модули были основаны не на частях тела и их размахе (пальцы, ладони, руки и ноги), а скорее на диаметрах колонн и ширине. аркад и фенестраций.

Храм Портана : Греческий храм Портана является образцом классической греческой архитектуры с его четырехстилевым портиком из четырех ионических колонн.

Как правило, один набор модулей диаметра колонны, используемый египтянами и римлянами для изготовления корпусов и архитектурной лепнины, основан на пропорциях ладони и пальца, в то время как другой, менее тонкий модуль, используется для отделки дверей и окон, плитки и кровельных работ. в Месопотамии и Греции — основывался на пропорциях кисти и большого пальца.

Еще у пифагорейцев существовало представление о том, что пропорции должны быть соотнесены со стандартами, и что чем более общие и шаблонные стандарты, тем лучше. Эта концепция — красота и изящество должны быть подтверждены умелым сочетанием хорошо изученных элементов — лежит в основе математики, искусства и архитектуры. Классические стандарты представляют собой серию парных противоположностей, предназначенных для расширения размерных ограничений гармонии и пропорции.

Космос

Пространство в искусстве можно определить как область, которая существует между двумя идентифицируемыми точками.

Цели обучения

Дайте определение пространству в искусстве и перечислите способы его использования художниками

Ключевые выводы

Ключевые моменты

• Организация пространства называется композицией и является важным компонентом любого произведения искусства.
• Пространство произведения искусства включает фон, передний план и средний план, а также расстояние между вещами, вокруг них и внутри них.
• Есть два типа пространства: позитивное пространство и негативное пространство.
• Потратив сотни лет на разработку линейной перспективы, западные художественные представления о точном изображении пространства претерпели радикальный сдвиг в начале ХХ века.
• Кубизм и последующие модернистские движения представляли собой важный сдвиг в использовании пространства в западном искусстве, который все еще ощущается сегодня.

Основные термины

• пробел :Расстояние или пустая область между вещами.
• Кубизм :Художественное направление начала 20-го века, характеризующееся изображением природных форм в виде геометрических структур плоскостей.

Организация пространства в искусстве называется композицией и является важным компонентом любого произведения искусства. Пространство в общем случае можно определить как область, которая существует между любыми двумя идентифицируемыми точками.

Пространство воспринимается по-разному в каждой среде. Пространство в картине, например , включает в себя фон, передний план и средний план, в то время как трехмерное пространство, такое как скульптура или инсталляция, будет включать расстояние между точками произведения, вокруг них и внутри них.Пространство далее классифицируется как положительное или отрицательное. «Позитивное пространство» можно определить как предмет произведения искусства, а «негативное пространство» можно определить как пространство вокруг предмета.

На протяжении веков пространство представлялось по-разному. Художники посвятили много времени экспериментам с перспективой и степенью плоскостности живописной плоскости.

Система перспективы была широко используемой условностью в западном искусстве. Визуально это иллюзионистский феномен, хорошо подходящий для реализма и изображения реальности такой, какой она есть.Потратив сотни лет на разработку линейной перспективы, западные художественные условности о точном изображении пространства претерпели радикальные изменения в начале 20 века. Инновации кубизма и последующих модернистских движений представляли собой важный сдвиг в использовании пространства в западном искусстве, влияние которого все еще ощущается.

Pablo Picasso, Les Demoiselles d’Avignon , 1907 : Les Demoiselles d’Avignon является примером кубистического искусства, которое имеет тенденцию уплощать плоскость изображения, а его использование абстрактных форм и неправильных форм предполагает несколько точек зрения на одном изображении.

Двумерное пространство

Двумерное или двухмерное пространство — это геометрическая модель плоскостной проекции физической вселенной, в которой мы живем.

Цели обучения

Обсудите двухмерное пространство в искусстве и физические свойства, на которых оно основано

Ключевые выводы

Ключевые моменты

• В физических терминах измерение относится к составной структуре всего пространства и его положению во времени.
• Рисунок — это форма изобразительного искусства, в которой используется любое количество инструментов для обозначения двухмерной среды.
• Почти любую пространственную форму можно представить комбинацией куба, сферы, цилиндра и конуса. Как только эти основные формы собраны в подобие, рисунок можно усовершенствовать до более точной и отполированной формы.

Основные термины

• измерение :Единственный аспект данной вещи. Мера пространственной протяженности в определенном направлении, например, высота, ширина, ширина или глубина.
• Двухмерный :Существующий в двух измерениях.Не создавая иллюзии глубины.
• Планар : Самолет или относящийся к нему. Плоский, двухмерный.

Двумерное или двухмерное пространство представляет собой геометрическую модель плоскостной проекции физической вселенной, в которой мы живем. Эти два измерения обычно называют длиной и шириной. Оба направления лежат в одной плоскости. В физике наше двумерное пространство рассматривается как плоское представление пространства, в котором мы движемся.

Математическое представление двумерного пространства : Двумерная декартова система координат.

В художественной композиции рисунок — это форма визуального искусства, в которой используется любое количество инструментов рисования для обозначения двумерной среды (это означает, что объект не имеет глубины). Один из самых простых и эффективных способов передачи визуальных идей, этот медиум был популярным и основным средством публичного выражения на протяжении всей истории человечества. Кроме того, относительная доступность основных инструментов рисования делает рисование более универсальным, чем большинство других средств.

Измерение размеров объекта во время наложения блоков на чертеже — важный шаг в создании реалистичного изображения объекта.Такие инструменты, как компас, можно использовать для измерения углов разных сторон. Эти углы можно воспроизвести на поверхности чертежа, а затем перепроверить, чтобы убедиться, что они точны. Другой формой измерения является сравнение относительных размеров различных частей объекта друг с другом. Палец, помещенный в точку вдоль инструмента для рисования, можно использовать для сравнения этого размера с другими частями изображения. Линейку можно использовать и как линейку, и как средство для вычисления пропорций. При попытке нарисовать сложную фигуру, такую ​​как человеческая фигура, полезно сначала представить форму набором примитивных форм.

Почти любую пространственную форму можно представить комбинацией куба, сферы, цилиндра и конуса. Как только эти основные формы собраны в подобие, рисунок можно усовершенствовать до более точной и отполированной формы. Линии примитивных форм удаляются и заменяются окончательным подобием. Более утонченное искусство рисования фигур зависит от художника, обладающего глубоким пониманием анатомии и пропорций человека. Обученный художник знаком со структурой скелета, расположением суставов, размещением мышц, движением сухожилий и тем, как различные части работают вместе во время движения.Это позволяет художнику изображать более естественные позы, которые не кажутся искусственно жесткими. Художник также знаком с тем, как пропорции меняются в зависимости от возраста модели, особенно при рисовании портрета.

Рисование человеческих фигур : Анри де Тулуз-Лотрек Мадам Пальмир с собакой , 1897.

Линейная перспектива и трехмерное пространство

Перспектива — это приблизительное представление на плоской поверхности изображения, как оно воспринимается глазом.

Цели обучения

Объясните перспективу и ее влияние на художественную композицию

Ключевые выводы

Ключевые моменты

• Обычно считается, что систематические попытки разработать систему перспективы начались примерно в 5 веке до н.э. в искусстве Древней Греции.
• В самых ранних художественных картинах и рисунках объекты и персонажи обычно располагались иерархически в соответствии с их духовной или тематической важностью, а не их расстоянием от зрителя.
• В средневековой Европе использование и изощренность попыток передать расстояние неуклонно росло, но без систематической теории.
• В эпоху Возрождения почти каждый художник в Италии использовал геометрическую перспективу в своих картинах, как для изображения глубины, так и в качестве нового и актуального композиционного метода.

Основные термины

• криволинейные : имеющие изгибы; изогнутый; образованные изогнутыми линиями.
• линия горизонта :Горизонтальная линия в перспективном рисунке, прямо противоположная глазу зрителя и часто подразумеваемая, которая представляет бесконечно далекие объекты и определяет угол или перспективу, с которой зритель видит произведение.
• точка схода : Точка на чертеже в перспективе, в которой параллельные линии, удаляющиеся от наблюдателя, кажутся сходящимися.
• Перспектива :Техника представления трехмерных объектов на двухмерной поверхности.

В искусстве перспектива — это приблизительное представление на плоской поверхности изображения, как оно воспринимается глазом, рассчитанное путем принятия конкретной точки схода. Обычно считается, что систематические попытки разработать систему перспективы начались примерно в V веке до нашей эры в искусстве Древней Греции.К более поздним периодам античности художники, особенно представители менее популярных традиций, хорошо знали, что удаленные объекты можно изображать меньше, чем те, что находятся под рукой, для усиления иллюзионизма. Но использовалось ли это условное обозначение в произведении на самом деле, зависело от многих факторов. Некоторые из картин, найденных в руинах Помпеи, демонстрируют замечательный для своего времени реализм и перспективу.

В самых ранних художественных картинах и рисунках объекты и персонажи обычно располагались иерархически в соответствии с их духовной или тематической важностью, а не их расстоянием от зрителя.Наиболее важные фигуры часто изображаются самыми высокими в композиции, также по иератическим мотивам, что приводит к «вертикальной перспективе», распространенной в искусстве Древнего Египта, где группа «более близких» фигур показана под более крупной фигурой (фигурами). ).

В искусстве периода Великого переселения народов не было традиции попыток композиций из большого количества фигур, а раннесредневековое искусство было медленным и непоследовательным в переосмыслении условностей из классических моделей, хотя этот процесс можно увидеть в каролингском искусстве.Европейские средневековые художники знали об общем принципе изменения относительного размера элементов в зависимости от расстояния, а использование и изощренность попыток передать расстояние неуклонно росло в течение этого периода, но без основы в систематической теории.

Однако в эпоху Возрождения почти каждый художник в Италии использовал геометрическую перспективу в своих картинах. Такое использование перспективы было не только способом изобразить глубину, но и новым методом композиции картины.Картины стали изображать единую, единую сцену, а не комбинацию нескольких. Какое-то время перспектива оставалась прерогативой Флоренции. Постепенно и частично благодаря движению академий искусств итальянские техники стали частью обучения художников в Европе, а затем и в других частях мира.

Перспектива в живописи эпохи Возрождения : Использование Пьетро Перуджино перспективы в этой фреске Сикстинской капеллы (1481–1482 гг.) помогло перенести эпоху Возрождения в Рим.

Рисунок имеет одноточечную перспективу, если он содержит только одну точку схода на линии горизонта. Этот тип перспективы обычно используется для изображений дорог, железнодорожных путей, коридоров или зданий, просматриваемых так, чтобы передняя часть была обращена прямо к зрителю. Любые объекты, состоящие из линий, либо прямо параллельных линии взгляда зрителя, либо прямо перпендикулярных (железнодорожные рейки), могут быть представлены в одноточечной перспективе. Эти параллельные линии сходятся в точке схода.

Двухточечная перспектива может использоваться для рисования тех же объектов, что и одноточечная перспектива, но повернутых, например, взгляд на угол дома или взгляд на две развилки дорог, сужающиеся вдаль. Например, если смотреть на дом из угла, одна стена будет отступать к одной точке схода, а другая стена — к противоположной точке схода.

Трехточечная перспектива используется для зданий, изображенных сверху или снизу. В дополнение к двум предыдущим точкам схода, по одной для каждой стены, теперь есть третья точка для того, как эти стены уходят в землю.Эта третья точка схода будет находиться под землей.

Четырехточечная перспектива — это криволинейный вариант двухточечной перспективы. Получившуюся удлиненную раму можно использовать как горизонтально, так и вертикально. Как и все другие варианты перспективы в ракурсе, четырехточечная перспектива начинается с линии горизонта, за которой следуют четыре точки схода, расположенные на равном расстоянии друг от друга, чтобы очертить четыре вертикальные линии. Поскольку точки схода существуют только тогда, когда в сцене присутствуют параллельные линии, перспектива без точек схода («нулевая точка») возникает, если зритель наблюдает непрямолинейную сцену.Наиболее распространенным примером нелинейной сцены является естественная сцена (например, горный хребет), которая часто не содержит параллельных линий. Перспектива без точек схода может создать ощущение глубины.

Искажение пространства и ракурс

Искажение используется для создания различных представлений пространства в двухмерных произведениях искусства.

Цели обучения

Определить, как искажения используются и избегаются в произведениях искусства

Ключевые выводы

Ключевые моменты

• Перспективное искажение проекции — это неизбежное искажение трехмерного пространства при рисовании или «проекции» на двухмерную поверхность.Невозможно точно изобразить трехмерную реальность на двухмерной плоскости.
• Тем не менее, есть несколько доступных конструкций, которые обеспечивают, казалось бы, точное представление. Перспективную проекцию можно использовать для отражения того, как видит глаз, используя одну или несколько точек схода.
• Хотя искажение может быть нерегулярным или следовать многим шаблонам, наиболее часто встречающиеся искажения в композиции, особенно в фотографии, являются радиально-симметричными или приблизительно таковыми, возникающими из-за симметрии фотографического объектива.

Основные термины

• радиальный : расположены в виде лучей, которые исходят из общего центра или сходятся в нем
• проекция :Изображение, которое полупрозрачный объект отбрасывает на другой объект.
• ракурс :Техника создания видимости того, что объект рисунка расширяется в пространстве путем сокращения линий, которыми нарисован этот объект.

Искажение – это изменение исходной формы (или другой характеристики) объекта, изображения, звука или другой формы информации или представления.Искажение может быть желательным или нежелательным для художника. Искажение обычно нежелательно, когда речь идет о физической деградации произведения. Тем не менее, его чаще называют с точки зрения перспективы, где он используется для создания реалистичных представлений пространства в двухмерных произведениях искусства.

Искажение проекции перспективы

Перспективное искажение проекции — это неизбежное искажение трехмерного пространства при рисовании или «проекции» на двухмерную поверхность.Невозможно точно изобразить трехмерную реальность на двухмерной плоскости. Тем не менее, есть несколько доступных конструкций, которые позволяют, казалось бы, точное представление. Наиболее распространенной из них является перспективная проекция. Перспективную проекцию можно использовать для отражения того, как видит глаз, используя одну или несколько точек схода.

Джотто, Оплакивание (Оплакивание Христа) , 1305–1306 : Джотто — один из самых известных художников до Возрождения, распознавший искажение на двухмерных плоскостях.

Ракурс

Ракурс — это визуальный эффект или оптическая иллюзия, при которой объект или расстояние кажутся короче, чем они есть на самом деле, потому что они расположены под углом к ​​зрителю. Хотя ракурс является важным элементом в искусстве, где изображается визуальная перспектива, ракурс встречается и в других типах двухмерных представлений трехмерных сцен, таких как рисунки с наклонной параллельной проекцией.

Физиологическая основа визуального ракурса не была определена до 1000 года, когда арабский математик и философ Альхазен в своей книге Perspectiva впервые объяснил, что свет попадает в глаз конически.Метод систематического представления геометрии в ракурсе на плоской поверхности был неизвестен еще 300 лет. Художник Джотто, возможно, был первым, кто осознал, что образ, видимый глазу, искажен: глазу параллельные линии кажутся пересекающимися (как далекие края тропы или дороги), тогда как в «неискаженной» природе они действительно пересекаются. нет. Во многих картинах Джотто перспектива используется для достижения различных эффектов искажения.

Ракурс : Эта картина иллюстрирует использование Мелоццо да Форли восходящего ракурса в его фресках в Базилике делла Санта-Каса.

Искажение в фотографии

В фотографии проекционный механизм представляет собой свет, отраженный от объекта. Для выполнения чертежа с использованием перспективной проекции проекторы исходят из всех точек объекта и пересекаются в точке станции. Эти проекторы пересекаются с воображаемой плоскостью проекции, и изображение создается на плоскости точками пересечения. Полученное изображение на плоскости проекции воспроизводит изображение предмета, как он виден с точки станции.

Радиальная дисторсия обычно может быть классифицирована как один из двух основных типов: бочкообразная дисторсия и подушкообразная дисторсия. Бочкообразная дисторсия возникает, когда увеличение изображения уменьшается по мере удаления от оптической оси. Очевидный эффект — это изображение, нанесенное на карту вокруг сферы (или бочки). Объективы типа «рыбий глаз», создающие полусферический вид, используют этот тип искажения как способ отображения бесконечно широкой плоскости объекта в конечной области изображения.

С другой стороны, при подушкообразной дисторсии увеличение изображения увеличивается с расстоянием от оптической оси.Видимый эффект заключается в том, что линии, не проходящие через центр изображения, изгибаются внутрь, к центру изображения, как подушечка для иголок. Некоторое количество подушкообразных искажений часто встречается в визуальных оптических приборах (например, в биноклях), где оно служит для устранения эффекта шара.

Цилиндрическая перспектива — это форма искажения, вызванная объективами типа «рыбий глаз» и панорамными объективами, которые воспроизводят прямые горизонтальные линии выше и ниже уровня оси объектива как изогнутые, а прямые горизонтальные линии на уровне оси объектива — как прямые.Это также общая черта широкоугольных анаморфотных объективов с фокусным расстоянием менее 40 мм в кинематографии. По сути это просто бочкообразная дисторсия, но только в горизонтальной плоскости. Это артефакт процесса сжатия, который делают анаморфотные линзы, чтобы разместить широкоэкранные изображения на пленке стандартной ширины.

Как найти собственный стиль рисования для иллюстраций

Wangs Lok / EyeEm/Getty Images/EyeEm

Если вы хотите стать художником нового уровня, изучение техники — это только начало.Ваши рисунки должны выражать ваш личный стиль и говорить: «Эй, это Я».

Чтобы разработать свой фирменный стиль, вам придется просмотреть множество произведений искусства и безумно экспериментировать. Хорошие новости: делать эти вещи весело, увлекательно и дает гигантский толчок творчеству.

Вот как можно придать индивидуальный стиль всему, что вы рисуете.

1. Отправляйтесь на экскурсию по произведениям искусства

Эдгар Чапарро/Unsplash

Берите все подряд, не только рисунки: книги, музейные экспонаты, сайты, посвященные изобразительному искусству, поп-арту, мультфильмы — все, что только можно найти.Обратите внимание на то, что заставляет вас сказать: «Еще, пожалуйста». Это ваша первая подсказка к видам произведений искусства, которые могут вдохновить ваш личный стиль.

2. Изучите основы

Поймите правила, чтобы их можно было нарушать. Изучение основ рисования, таких как приемы росчерка пера, затенение и рисование в перспективе, направит вас на верный путь. Таким образом, когда начнет формироваться ваш собственный стиль, у вас будут навыки, чтобы поддержать его.

3.Укусите в стиле экспертов

Давайте проясним: вы никогда не хотите заниматься плагиатом искусства. Но особенно когда вы только начинаете, копирование других художников просто для практики расширяет ваши навыки, поскольку вы изучаете свои собственные способы самовыражения. То, что может начаться как подражание, может превратиться в ваш уникальный стиль.

4. Займитесь художественным залом

Обучение рисованию похоже на тренировку: если вы хотите быть в форме, вам нужно регулярно заниматься спортом.Ежедневная практика рисования укрепит ваши навыки и подчеркнет ваш стиль.

5. Выйдите из зоны комфорта

медиафото/Getty Images/iStockphoto

Попробуйте рисовать в стиле, который вас пугает или пугает. Останься со мной здесь. Изучение стилей, которые кажутся неестественными, может научить вас тому, что вы хотите рисовать, и что делает естественным.

Допустим, вы бросаете себе вызов нарисовать реалистично выглядящий цветок, но все, о чем вы можете думать, это о том, как вам не терпится нарисовать мандалы.Это ваши естественные инстинкты, взывающие к вам. Слушайте внимательно.

6. Дудл

Серьезно. Вы не можете победить рисование, когда дело доходит до оттачивания ваших навыков и создания личного стиля. Когда вы рисуете, вы не просто улучшаете зрительно-моторную координацию. Вы также работаете в свободной форме и решаете творческие задачи, даже если не осознаете этого.

Рисуете ли вы сердечки и звезды, повторяете узор или просто рисуете, ваши каракули могут превратиться в стилизованные элементы.Они могут найти свое место в более «законченном» искусстве и превратиться в подписи вашего стиля.

7. Промыть и повторить

Хорошо, «полоскать» не надо, но повторять надо обязательно — т.е. рисовать одно и то же снова и снова. Рисуете ли вы полевые цветы или конкретного персонажа, которым вы одержимы (у меня это Sprinkle the Unicorn), ваш личный стиль начнет проявляться.

Вы когда-нибудь смотрели старые эпизоды Симпсонов и думали, как забавно выглядели персонажи — почти как бета-версии самих себя? Потребовалось постоянное рисование и перерисовка, чтобы персонажи превратились в культовые фигуры, которые теперь все знают.Даже если вы не Мэтт Гроунинг (пока), повторение принесет вам пользу.

8. Слушайте свой внутренний голос

Даже если вы начинаете рисовать с определенной идеей, дайте себе свободу изменить курс. Сделайте паузу на минуту и ​​честно расскажите, что работает, а что нет. Часто этот тихий голос, который говорит: «Остановись сейчас» или «Нарисуй здесь ряд цветов», — это твой личный стиль, пытающийся быть услышанным. Прибавь громкости.

9. Остановить рисование

Нет, это не шутка.Вы знаете, как люди говорят, что лучшие идеи приходят им в голову в душе? Направьте это спонтанное творчество и отложите на секунду перо и чернила.

Отправляйтесь на прогулку, примите ванну или сделайте все, что вам нужно, чтобы вырваться из рутины. Ваш мозг обрабатывает идеи в это время «в выключенном состоянии», и перерыв может сделать вас лучшим художником.

10. Эволюция

Иногда, когда вы находите что-то, что работает художественно, вы испытываете искушение придерживаться этого навсегда.Некоторым художникам это может понравиться, но многие другие со временем развивают свой стиль. Посмотрите, куда ведут вас ваши инстинкты.

Например, я всегда рисовал персонажей. Раньше мне нравилось работать пером, тушью и акварелью, но теперь мне нравится раскрашивать предметы в цифровом виде и использовать фотографии. Работа с персонажами по-прежнему остается моим стилем, но он развивался на основе новых техник, которые я изучаю, и того, что мне нравится в данный момент.