Три картины в одном стиле как называется: Диптих, триптих, полиптих: что это такое?

Определение повторения в искусстве

Прежде чем мы вернемся к некоторым из самых запоминающихся повторений в искусстве и сосредоточимся на его истории, нам нужно сделать шаг назад и упомянуть определение повторения в визуальном производстве. Повторение, рассматриваемое как одна из основ творчества, подобно ритму, помогает создать ощущение движения в произведении искусства. В визуальном производстве это повторение конкретной линии , образца , формы или других визуальных элементов в одной или части серии ^[3] .Создание чего-то повторяющегося, но в то же время захватывающего — это вызов, так как многие считают повторение скучным и все же . Элемент повторения в искусстве многие авторы специально использовали, чтобы прокомментировать состояние мира вокруг нас и призвать общественность замедлить гонку за достижением богов потребления и идолов. Иногда повторение используется для создания ощущения напряжения, если никакие вариации не реализованы, и часто ключ к пониманию таких произведений лежит в тонких деталях ^[4] .

Существует множество способов повторения в искусстве. Это может быть даже или неравномерный , обычный или неправильный , он может формировать излучение , возникающее, когда повторение элементов распространяется от центральной точки, или форма градуировки , где детали постепенно становятся меньше или больше ^[5] . Работая с повторяющимися узорами, и это высоко ценилось в период модерна и его изготовления узоров, поверхность работы улучшена , поэтому сделана более интересной для публики и в то же время ощущается Заказ добавлен в состав .Как инструмент, повторение в искусстве помогает построить не только визуальную часть работы, но часто придает более глубокое значение произведению искусства, скрывая более философскую и концептуальную идентичность.

История повторения искусства

Если мы отворачиваемся от определения повторения в искусстве и избегаем комментировать каждую повторяющуюся линию, поверхность, цвет, узор или изображение в визуальном творчестве, сегодня при помощи компьютерных изображений, наше внимание, несомненно, будет обращено на концепция и внутренняя работа художника или конкретный период производства, а также решение относительно того, почему они использовали повторение.Мы входим в мир, который говорит о повторениях в выборе сюжета , очевидных в постановке Клода Моне , Василия Кандинского , Казимира Малевича , которые сформировали одни из самых влиятельных авангардных движений. , или мир, который использует повторение в искусстве как инструмент комментария к потреблению и массовому производству, украшающий творчество Энди Уорхола или различных художников-минималистов .

Смотрите другие работы Энди Уорхола на нашей торговой площадке!

Определение повторения в искусстве менялось с годами.Немногие из основных проблем, которые возникают, когда говорят о повторении, несомненно, связаны с оригинальностью , подлинностью и присвоением . Это основная проблема философии постмодернизма , и готовые модели Дада отмечены как важные изображения, которые высмеивают, необходимость традиции придавать особое значение производству и выбору материалов. Поп-художники, минималисты, перформанс и концептуальные авторы приняли концепцию , подрывая аутентичность и ценность . Присвоение в искусстве , основанное на повторном использовании и повторении существующих изображений, вызывает опасения по поводу авторских прав, поскольку многие современные художники используют доступные изображения с небольшими изменениями или без изменений оригинала. Такие тонкие изменения поднимают вопросы об идентичности и упрощают ли новые детали оригинальные ^[5] .

Известные исполнители повторений

За последние два тысячелетия многие художники прошлого и настоящего сосредоточились на постоянном изображении одних и тех же предметов и мотивов в своих работах, поскольку это повторение закодировано в самой ДНК творчества — практика делает совершенство.Поскольку древние художники и скульпторы создавали одни и те же произведения снова и снова, пока не овладели своим мастерством, эта практика была перенесена во времена Возрождения и барокко. Однако художники раннего авангарда были первыми, кто начал повторять одни и те же мотивы, не акцентируя внимание на цели повышения мастерства в живописи, а вместо этого стремясь к другим намерениям. С тех пор повторение стало концепцией, благодаря которой становление лучше не было результатом, к которому стремился художник. Это радикальное концептуальное изменение оказалось превосходным сочетанием с анти-традиционными формами искусства 20-го века, когда многие люди полагались на постоянное представление одних и тех же предметов и мотивов для достижения желаемой цели. Теперь мы представим вам список наиболее интересных художников, которые работали или все еще работают в концептуальных границах повторения в художественной практике, и все они стремятся к разным результатам с помощью таких творческих стратегий.

Клод Моне

Кто может лучше возглавить этот список, чем тот самый человек, который установил современную концепцию повторения без намерения просто стать более квалифицированным? Клод Моне был легендарным французским художником, который был ведущей фигурой во времена импрессионизма, возможно, первого авангардного движения, хотя это утверждение часто оспаривается.Однако подход импрессионистов к визуализации настолько радикально отличался от классического искусства, что все движение, включая Моне, можно смело отнести к категории авангарда без особых проблем. Клод стремился снова и снова рисовать один и тот же объект , чтобы запечатлеть различное состояние вида в зависимости от времени суток, в которое их рисовал Моне. Посредством этого повторения он создавал серию таких картин, из которых самые известные — это изображения водяных лилий, вокзалов, зерновых стогов и соборов.Ориентируясь на естественный свет, Моне не менял перспектив или оборудования, а только время, в котором он будет рисовать. Эти произведения не только важны для феномена импрессионизма, но также являются знаковыми благодаря своей роли в представлении авангардного мышления художника, который хотел разорвать связи с традиционными формами.

Пит Мондриан

Другой художник-авангардист в нашем списке, Пит Мондриан , был художником, теоретиком и писателем, который считал, что искусство должно отражать лежащую в основе духовность окружающей нас природы .Чтобы как-то заставить его эстетику отражать такое мнение, он упростил сюжеты своих картин до самых основных элементов, раскрывая сущность мистической энергии в балансе сил, управляющих природой и вселенной. Благодаря таким стратегиям Мондриан в конечном итоге создал строгий визуальный словарь квадратов и линий, представляющих предметы в базовой вертикальной и горизонтальной манере. Это методичное продвижение его художественного стиля от традиционного представления к полной абстракции не произошло в одночасье, но после того, как оно было установлено, вся продукция Пита состояла из повторяющихся изображений квадратов разного цвета, разделенных строгими жирными линиями.Дисциплина Мондриана в представлении квадратов — одна из самых известных повторяющихся концепций в искусстве, а стоящая за ними теория неопластизма была ключевым моментом абстракции в живописи.

Энди Уорхол

Неофициальный король искусства повторений, Энди Уорхол — легенда феномена поп-арта и одно из самых коммерциализированных имен 20-го века. Вдохновленный образами популярной культуры, Уорхол одновременно прославлял и критиковал вариантов потребления и массовое (повторное) производство , эффективно превращая свою работу в повторяющийся вихрь и создавая основу для самого успешного художественного движения после Второй мировой войны.Работая в широком спектре средств массовой информации, включая эстамп, живопись, ручной рисунок, шелкографию, скульптуру, фотографию, музыку и кино, Уорхол прославился и приобрел влияние благодаря своим повторяющимся изображениям банок с супом, бутылок из-под газировки, долларовых банкнот и культовых портретов знаменитостей, таких как Мэрилин Монро, Мик Джаггер, Элвис Пресли, Джимми Картер, Принц и Элизабет Тейлор. Энди часто вставлял идентичные картинки в одно целое, собирая их дисциплинированно и различая только по цвету. Эти иллюстрации, гравюры и плакаты на одну и ту же тему, повторяющиеся регулярными рядами, являются одними из самых знаковых изображений 20-го века, которым приписывают переопределение многих концепций и установление новых стандартов в современном искусстве.

Яёи Кусама

Хотя японская художница Яёи Кусама создает в разнообразной области, которая состоит из всего, от живописи до скульптуры, каждое произведение, которое она когда-либо создавала, имеет один и тот же мотив — бесконечные точки. Эти, казалось бы, бесконечных повторяющихся мотивов являются торговой маркой искусства Яёи Кусамы и в конечном итоге стали мгновенным признаком того, что вы наблюдаете за одним из ее произведений.Своим искусством пятен Кусама доказала, что можно работать в смешанных концепциях феминизма, минимализма, сюрреализма, Art Brut, поп-арта и абстрактного экспрессионизма, не подвергая опасности какой-либо один стиль. Кроме того, уровень повторения психоделических цветов стал самым постоянным в истории современного азиатского искусства, поскольку Яёи был активен более шестидесяти лет. Благодаря своему уникальному художественному словарю, эта провокационная авангардистка из Японии стала одной из самых выдающихся фигур в современной культуре своей страны и великолепно продемонстрировала последовательность в современном искусстве.

Юэ Миньцзюнь

Юэ Миньцзюнь смело можно назвать одним из самых юмористических артистов в этом списке. Этот пекинский художник и скульптор использует один и тот же мотив в каждом отдельном произведении, которое он создает. — собственное лицо, обычно застывшее в состоянии истерического смеха. Независимо от того, в какой среде работает Минджун, его самоиллюстрации расположены в различных условиях, некоторые из которых иронично обычны, а некоторые далеки от обычных, все они полагаются на лицо Юэ как на центр внимания.С уникальными композициями, такими как сцена, расположенная посреди юрского периода, когда два Джу смеются рядом с BMW, или группа хихикающих Минджунов, снимающих еще одну группу Минджунов, у которых также есть широкие улыбки на лицах, легко понять, почему этот китайский художник пользуется таким большим уважением и имеет широкую базу фанатов. Непревзойденное чувство юмора Минджуна действительно является сильнейшим аспектом его работ, но тот факт, что он помещает один и тот же мотив на каждую картину и скульптуру, которые он создал, обеспечил ему место в этом списке.

Риусуке Фукахори

Сочетая в своих работах области искусства и магии, Риусуке Фукахори — японский художник, наиболее известный своими трехмерными картинами с золотыми рыбками , созданными путем заливки смолы. Фукахори оживляет этих очаровательных существ, изображая их до такой степени, что буквально невозможно понять, смотрите ли вы на фотографию или на настоящее животное, не говоря уже о картине с золотой рыбкой.Эти невероятные примеры являются результатом долгой карьеры, посвященной и последовательному изображению этих животных — все, что делает Фукахори, — это рисует золотых рыбок, и это — все и конец его работы. Ключевым аспектом его униформы является тот факт, что Риусуке основывает свое искусство на повторении заливки жидкой смолой и акриловой живописи , которые дают желаемый трехмерный эффект. Сказать, что эти рыбы изображены реалистично, было бы преуменьшением, поскольку предметы работ Фукахори достигли впечатляющего уровня, который гораздо лучше описать как оптическую иллюзию.Кроме того, Риусуке утверждает, что никогда не использует фотографии моделей для своей работы, утверждая, что все, что он рисует, исходит непосредственно из его памяти и воображения.

Дэвид Бегби

Один из самых необычных художников в нашем списке, чей стиль совершенно уникален и не имеет себе равных, Дэвид Бегби — шотландский скульптор, который использует металлическую проволоку для изображения человеческих фигур и выражений лица .Такая техника привела к появлению множества похожих предметов, большинство из которых представляет собой человеческое туловище, которое можно с уверенностью назвать продуктом прекрасной скульптуры. Эти мощные, эротические, тактильные и интимные произведения уникальны и удивительны только потому, что Бегби был достаточно предан своему делу, чтобы посвятить всю свою карьеру созданию одних и тех же предметов одним и тем же методом. Это еще более впечатляет, когда вы понимаете, насколько сложной может быть работа с проволочной сеткой, особенно когда вы уделяете столько внимания деталям, как Дэвид.Другими словами, Дэвид добился того, что до него удавалось очень немногим художникам — скульптурного совершенства формы. И если собрать его вместе, то его изображения явно представляют собой последовательный результат, непохожий на все, что вы когда-либо видели.

Узор и повторение в фотографии

Поскольку закономерности и повторения можно найти повсюду вокруг нас, фотографии довольно легко запечатлеть их. «Честно», потому что даже если фотографу не нужно изобретать что-то с нуля, как это нужно художникам, он все же должен внимательно следить за деталями и уметь правильно интегрировать их в свою композицию.Успокаивающее ощущение рутины, которое повторение создает для любого вида искусства, лучше всего выражается через контрасты, цвета и структуру на фотографиях, позволяя изображению вызывать чувство единства, согласованности и непрерывности, ритма, гармонии, яркости и общей организации ^[7] . Немногие фотографы намеренно преследуют закономерности и повторы, обнаруживаемые в их непосредственном окружении; скорее, это часто случайная встреча с природными или архитектурными элементами, оказавшимися в их кадре, иногда даже непроизвольно.Здесь мы говорим о художниках, работающих с природой и созданием абстрактных изображений, хотя натюрморты и аэрофотосъемки также известны тем, что создают потрясающие изображения повторений в искусстве.

Фотографирование повторяющегося

Еще в истории фотографии есть новаторские изображения Идверда Мейбриджа , который был первым, кто создал исследование движения.В 1878 году он был нанят владельцем скаковой лошади, чтобы дать ответ на спор о том, были ли все четыре ноги лошади оторваны от земли одновременно во время бега рысью. Его серия изображений показывает одну и ту же движущуюся фигуру снова и снова, и хотя это не было точным повторением, вероятно, это была первая презентация таких изображений с момента изобретения камеры, и Мейбридж действительно неоднократно фотографировал одни и те же предметы. Соответственно, Берндт и Хилла Бехер задокументировали сельский пейзаж Германии на протяжении 20-го века; на их фотографиях газовых баллонов и извилистых башен либо изображена одна и та же конструкция, снятая под разными углами, либо сгруппированы похожие фотографии вместе ^[8] .

Случайные повторяющиеся элементы также можно найти в продукции Gordon Parks , André Kertész и László Moholy-Nagy . В то время как Паркс занимался портретной живописью и использовал узоры в групповых фотографиях, таких как 1963 Этель Шариф в Чикаго , Кертес и Мохоли-Надь также были уличными фотографами, которые часто фотографировали линии, контрасты и геометрические узоры в городской среде. В 1930-х годах Маргарет Бурк-Уайт также надела несколько снимков рабочих и радиопередатчиков, которые представляют прерывистое повторение как еще одну форму творчества, которая нарушает непрерывность элементов и делает изображение еще более динамичным.Больше изображений повторной фотографии можно найти среди изображений Гарри Каллахана , Брюса Дэвидсона , Эда Руша и Анселя Адамса , которые во время своих путешествий натолкнулись на множество закономерностей в природе. Совсем недавно мы можем говорить о творчестве Эдварда Буртынского и иногда Андреаса Гурски , которые подчеркивают понятие массовых повторений.

Советы — Как создавать интересные узоры и повторения в фотографии

To Infinity and Beyond — Где повторение в искусстве сегодня?

Ушло ли повторение в искусстве? Маловероятно, что это когда-либо произойдет.Это довольно просто: его способность выражать бесконечные, безупречные, увлекательные образы — это то, что никогда не выйдет из моды . Помимо обширного наследия, оставленного современными и ранними современными художниками, упомянутыми выше, многие творческие работники, работающие сегодня, заинтересованы в достижении идеальных, сжатых изображений с помощью повторения, поэтому мы до сих пор видим такое большое количество таких изображений в самых разных средствах массовой информации. , жанры и стили ^[9] . Подумайте о сложных картинах Чака Клоуз , который буквально создает большую картину, используя более мелкие повторяющиеся элементы, или о многочисленных световых инсталляциях Олафура Элиассона , которые также приходят на ум.Вдохновленный мозаикой Эшера, художник Бен Паркер использует бумагу для создания завораживающих произведений искусства, а защитник окружающей среды Энди Голдсуорси объединяется с природой для создания радиальных скульптур и инсталляций. Повторение также охватило движение , движение стрит-арта , в частности, те, кто работал с макетами и плакатами, например, Shepard Fairey . С момента появления компьютеров и рождения Digital art для создания шаблонов использовалось много программного обеспечения, хотя, возможно, лучшим отображением повторения в этой области является изобретение.гифки. В заключение, искусство повторения предлагает определенный вид вечного вдохновения, который привлекает как художников, так и публику, и именно этот факт заставляет нас поверить в то, что концепция воспроизведения обязательно повторится и в будущем.

Автор: Silka P , Андрей В . и Angie Kordic .

Совет редакции: О повторении: написание, перформанс и искусство

Исследуя атмосферу нашего настоящего, где повторение рассматривается как признак скуки и отчуждения труда, автор книги добавляет поворот и предлагает идею о том, что повторение — это момент блаженства и отдыха.Книга On Repetition: Writing, Performance and Art , исследующая повторение в различных дисциплинах, таких как современное исполнение, танцевальные практики, ремесло и письмо, предлагает новое лицо и оригинальность междисциплинарному исследованию повторения в современной культуре. в то же время опираясь на психоанализ, философию, лингвистику, социологию и исследования производительности.

Источники:

1. Аноним, Повтор , Уголок [22 августа 2016 г.]
2. Конова, Ю., Повторение , Чикагская школа теории медиа [22 августа 2016 г.]
3. Аноним, Что такое повторение в искусстве? , ссылка [22 августа 2016 г.]
4. Кук, А. (2005), Повторение , Роберт Хенке [22 августа 2016 г.]
5. Аноним (2013 г.), Принцип повторения , Дизайн визуальной коммуникации [22 августа 2016 г.]
6. Сориано, Дж. Г., Лопес Альберт, К. (2014), Построение повторений в истории — мотивы и последствия , Mas Context [22 августа 2016 г.]
7. Аноним (2011), Повтор в фотографии , таттахара [23 августа 2016 г.]
8. Хорн, К., Введение в фотографию 4: Повторение , Academia [23 августа 2016 г.]
9. Аноним, Повторение, Ритм и Образец , flyeschool [23 августа 2016 г.]

Все изображения использованы только в иллюстративных целях. Показанное изображение в слайдере: Дэмиен Херст — Точечная живопись. Изображение с сайта whatartdoes.wordpress.com; Яёи Кусама — Кусама с тыквой. Изображение через anothermag.com; Энди Уорхол — Знак доллара; Фотография Андре-Кертеса; Маргарет Бурк-Уайт — радиопередающая башня WOR, 1935 г .; Гордон Паркс — Этель Шарифф в Чикаго, 1963 год.Изображение с сайта the-vu.com

150 известных картин, биографии и цитат Пикассо

Пабло Пикассо , вероятно, самая важная фигура 20-го века с точки зрения искусства и художественных движений, имевших место в этот период. До 50 лет художник испанского происхождения стал самым известным имя в современном искусстве, с наиболее отчетливым стилем и стремлением к художественному творчеству.До Пикассо не было других художников, которые оказали бы такое влияние на мир искусства или имели столько поклонников и критиков, как он.

Пабло Пикассо родился в Испании в 1881 году и вырос там, прежде чем провести большую часть своей взрослой жизни, работая художником во Франции. За свою долгую карьеру он создал более 20 000 картины, рисунки, скульптуры, керамика и другие предметы, такие как костюмы и театральные декорации. Он всемирно известен как один из самых влиятельных и знаменитых художников ХХ века.

Способность Пикассо создавать работы в удивительном разнообразии стилей снискала ему уважение еще при жизни. После его смерти в 1973 году его ценность как художника и вдохновение для других художников снизились. выросли. Без сомнения, ему суждено навсегда вписаться в ткань человечества как один из величайших художников всех времен.

Как художник и новатор, он вместе с Жоржем Браком является одним из основателей всего кубистского движения.Кубизм был авангардным движением, навсегда изменившим лицо европейской живописи. и скульптура, одновременно влияя на современную архитектуру, музыку и литературу. Предметы и объекты в кубизме разбиты на части и перестроены в абстрактной форме. В течение периода примерно с 1910-1920 гг., когда Пикассо и Брак закладывали фундамент кубизма во Франции, его влияние было настолько далеко идущим, что вдохновило на создание таких ответвлений, как стили футуризма, дадаизма и Конструктивизм в других странах.

Пикассо также считается изобретателем искусственной скульптуры и соавтором стиля искусства коллажа. Он также считается одним из трех художников двадцатого века, которым приписывают определение элементов. пластических искусств. Эта революционная форма искусства привела общество к социальным достижениям в живописи, скульптуре, гравюре и керамике путем физического манипулирования материалами, которые ранее не были вырезаны или сформированы. Эти материалы были не просто пластиком, это были вещи, которые можно было каким-то образом отлить, обычно в трех измерениях.Художники использовали глину, гипс, драгоценные металлы и дерево для создания революционных скульптурных композиций. произведения искусства, которых мир никогда раньше не видел.

Каждый акт творения — это прежде всего акт разрушения », — Пабло Пикассо.

Ранние годы Пикассо

Пикассо родился в Малаге, Испания, в семье дона Хосе Руиса-и-Бласко и Марии Пикассо-и-Лопес. Его крещеное имя намного длиннее, чем имя Пабло Пикассо, и по традиционным андалузским обычаям в честь нескольких святых и родственники.Его отец был художником и профессором искусства, и рисунок сына произвел на него впечатление с раннего возраста. Его мать однажды сказала, что его первым словом было попросить карандаш. В возрасте семь Пикассо начинает получать формальное образование у своего отца. Из-за своего традиционного академического образования Руиз считал, что обучение состоит из копирования шедевров и рисования человеческих форм с живых изображений. фигурные модели и гипсовые слепки.

В 1891 году в возрасте десяти лет семья переехала в Ла-Корунья, где Школа изящных искусств наняла Руиса профессором.Они провели там четыре года, где Руиз почувствовал, что его сын превзошел его как художника в возрасте 13 лет. и, как сообщается, поклялся бросить рисовать. Хотя картины Руиса, кажется, все еще создавались годами позже, отец Пикассо определенно чувствовал себя униженным природными навыками и техникой своего сына.

Пикассо и его семья были в ужасе, когда его семилетняя сестра умерла от дифтерии в 1895 году. Они переехали в Барселону, и Руис начал работать в Школе изящных искусств. Он убедил тамошних чиновников позволил своему сыну сдать вступительный экзамен в продвинутый класс, и Пикассо был принят в 13 лет.В возрасте 16 лет его отправили в главную художественную школу Испании в Мадриде — Королевскую академию Сан-Фернандо. Пикассо не понравились формальные инструкции, и он решил прекратить посещать занятия вскоре после прибытия. Он заполнял свои дни в мадридском Прадо, где выставлялись такие картины, как Франсиско Гойя и Эль Греко.

Объем работ, созданных Пикассо на протяжении всей своей жизни, огромен и охватывает период от раннего детства до его смерти, создавая более исчерпывающий отчет о его развитии, чем, возможно, любой другой. художник.При изучении записей его ранних работ, как говорят, произошел сдвиг, когда детское качество его рисунков исчезло, что стало официальным началом его карьеры. Эта дата Говорят, что это был 1894 год, когда Пикассо было всего 13 лет. В 14 лет он написал «Портрет тети Пепы», поразительное изображение, которое называют одним из лучших портретов. в истории Испании. А в 16 лет Пикассо создал отмеченную наградами книгу «Наука и благотворительность».

Его техника реализма, столь укоренившаяся в его отце и его детских исследованиях, эволюционировала с его знакомством с символистскими влияниями.Это побудило Пикассо разработать свой собственный взгляд на модернизм, а затем сделать свой первая поездка в Париж, Франция. Поэт Макс Жакоб, друг из Парижа, учил Пикассо французскому языку. Они делили квартиру, где они познали истинное значение того, что значит быть «голодающим художником». Они были холодно и в нищете, сжигая собственное дело, чтобы согреть квартиру.

Пикассо большую часть своей взрослой трудовой жизни провел во Франции. Его работы были примерно разделены на периоды времени, в течение которых он полностью раскрыл сложные темы и чувства, чтобы создать объединяющее план работ.

Голубой период (1901-1904)

Мрачный период, в течение которого Пикассо лично испытал бедность и ее влияние на окружающее его общество, характеризуется картинами, по сути, монохромными картинами в оттенках синего и синего. сине-зеленый, лишь изредка согреваемый другими цветами. Работы Пикассо этого периода изображают недоедание, проституцию и посмертные портреты друга Карлоса Касагемаса после его самоубийства. завершается мрачной аллегорической картиной La Vie.La Vie (1903) изобразил душевные муки своего друга перед лицом любовника, которого он пытался убить.

Период Розы (1904-1906)

Подходя к названию, как только Пикассо, казалось, нашел небольшую долю успеха и преодолел часть своей депрессии, у него был более веселый период с оранжевыми и розовыми оттенками и игривыми миры циркачей и арлекинов. Пикассо познакомился с богемной художницей по имени Фернанда Оливье, которая стала его возлюбленной. Впоследствии она появилась во многих из этих более оптимистичных картин.

Американские коллекционеры произведений искусства Лео и Гертруда Стайн стали большими поклонниками Пикассо. Они не только стали его главными покровителями, Гертруда также была изображена в его Портрет Гертруды Стайн, один из самых известных его портретов.

Искусство — это ложь, которая заставляет нас осознать истину », — Пабло Пикассо

Влияние Африки (1907-1909)

Для Пикассо поворотным моментом стала ретроспектива Поля Сезанна, состоявшаяся в Осеннем салоне через год после смерти художника в 1906 году.Хотя раньше он был знаком с Сезанном, только на ретроспективе Пикассо испытал на себе все влияние его художественных достижений. В работах Сезанна Пикассо нашел модель того, как выделить существенное. с натуры, чтобы получить связную поверхность, которая выражает уникальное видение художника. Примерно в то же время эстетика традиционной африканской скульптуры стала оказывать сильное влияние на европейские народы. художники. Во Франции Анри Матисс, Пабло Пикассо и их друзья из Парижской школы начинают смешивать высоко стилизованную обработку человеческой фигуры в африканских скульптурах. со стилями живописи, заимствованными из постимпрессионистских работ Сезанна и Гогена.

«Авиньонские девицы» были первым шедевром Пикассо. На картине изображены пять обнаженных женщин с фигурами, состоящими из плоских, расколотых плоскостей, и лицами, вдохновленными иберийским. скульптура и африканские маски. Сжатое пространство, в котором обитают фигуры, кажется, выступает вперед зубчатыми осколками; Яростно заостренный ломтик дыни в натюрморте с фруктами внизу композиции качается на невозможно перевернутой столешнице. В этой картине Пикассо радикально отходит от традиционной европейской живописи, адаптируя примитивизм и отказываясь от перспективы в пользу квартиры. двухмерная картинная плоскость.

Когда впервые появился Les Demoiselles d’Avignon , мир искусства словно рухнул. Полностью отказались от известных форм и представлений. За это ее назвали самой новаторской картиной в современном искусстве. история. Благодаря новым стратегиям, примененным в картине, Пикассо внезапно обрел свободу выражения вдали от современных и классических французских влияний и смог проложить свой собственный путь. Формальные идеи развиты этот период ведет непосредственно к следующему периоду кубизма.

Другие видели, что есть, и спрашивали, почему. Я видел, что могло быть, и спросил, почему бы и нет ».
— Пабло Пикассо

Кубизм (1909-1919)

Это было слияние влияний — от Поля Сезанна и Винсента Ван Гога до архаического и племенного искусства, — которое побудило Пикассо придать своим фигурам больше веса и структуры. примерно в 1907 году. И они в конечном итоге направили его на путь кубизма, в котором он деконструировал условности перспективы, которые доминировали в искусстве Возрождения.В этот период стиль, разработанный Жоржем Браком и Пикассо, использовал в основном нейтральные цвета и основывался на том, что они «разбирают» объекты и «анализируют их» с точки зрения их формы. Кубизм, особенно вторая форма, известная как синтетический кубизм, сыграла большую роль в развитии западного мира искусства. Работы этого этапа подчеркивают комбинацию или синтез форм в картине. цвет очень важно в форме предметов, потому что они становятся больше и декоративнее.Неокрашенные предметы, такие как газеты или табачные обертки, часто наклеиваются на холст в сочетании с окрашенными участками — включение большого количества посторонних материалов особенно связано с новой техникой коллажа Пикассо. Эта техника коллажа подчеркивает различия в фактуре и ставит вопрос о том, что есть реальность и что такое иллюзия в живописи. Используя цвет, форму и геометрические фигуры, а также свой уникальный подход к изображению изображений, Пикассо изменил направление искусства для будущих поколений.

Неоклассицизм, сюрреализм и скульптура

Обладая непревзойденным мастерством и мастерством, Пикассо совершил свою первую поездку в Италию в 1917 году и сразу же начал период поклонения неоклассическому стилю. Отказ от крайнего модернизма он рисовал и раскрашивал работы, напоминающие Рафаэля и Энгра. Это была всего лишь прелюдия перед тем, как Пикассо, казалось бы, без особых усилий начал объединять свои модернистские концепции со своим мастерством в сюрреалистические. такие шедевры, как «Герника» (1937), безумное и мастерское сочетание стиля, воплощающего отчаяние войны. Герника считается самой мощной антивоенной утверждение современного искусства. Это было сделано, чтобы продемонстрировать поддержку Пикассо прекращению войны и осуждение фашизма в целом. С самого начала Пикассо предпочитает не изображать ужас Герники в реалистическом стиле. или романтические отношения. Ключевые фигуры — женщина с распростертыми руками, бык, агонизирующая лошадь — уточняются в эскизе за эскизом, затем переносятся на вместительное полотно, которое он также несколько раз переделывает.Темный Цветная и монохромная тема использовалась для изображения тяжелых времен и страданий, которые были перенесены. Герника бросает вызов представлениям о войне как о героическом и разоблачает ее как жестокий акт самоуничтожения. Работы были не только практическим отчетом или живописью, но и оставались очень мощной политической картиной в современном искусстве, с которой конкурировали несколько фресковых картин мексиканского художника. Диего Ривера.

Последние годы

Последние работы Пикассо представляли собой смесь многих стилей, которые он использовал на протяжении всей своей жизни.Он осмелился сделать скульптуры крупнее, а свои картины — более выразительными и красочными. Ближе к концу карьеры Пикассо любил изучать классические произведения, которые повлияли на его развитие на протяжении многих лет, и создал несколько серий вариаций картин старых мастеров, в том числе Рембрандта, Диего Веласкес и Эдуард Мане, основоположник современных традиций. Некоторые из его наиболее заметных работ, в том числе «Резня в Корее». после Гойи, «Менины» после Веласкеса и «Завтрак на траве» после Мане.Многие из эти произведения по-прежнему имеют влияние в мире искусства; и, фактически, благодаря своему видению и особому творческому стилю, они по-прежнему являются одними из самых инновационных произведений, представленных в мире искусства, даже в последние годы. Множество картин, написанных Пикассо в последние годы его жизни, теперь широко признаны началом движения неоэкспрессионизма.

Влияние Пабло Пикассо

Когда Пикассо умер в возрасте 91 года в апреле 1973 года, он стал одним из самых известных и успешных художников за всю историю.Леонардо да Винчи ХХ века, истинное величие Пикассо и значение заключается в его двойной роли одновременно революционера и традиционалиста. Он был уникальным в 20 веке, с одной стороны, он был способен на радикальные инновации, но с другой — на продолжение традиционных линий. Так, в «Авиньонских девицах» он победил репрезентативную картину, а в «Гернике» возродил жанр исторической живописи в новой форме. Он также несомненно самый плодовитый гений в истории искусства.Его карьера охватила более 78 лет, в течение которых он создал: 13 500 картин, 100 000 гравюр и гравюр и 34 000 иллюстраций. Пикассо считался и остается маг, созданный писателями и критиками, метафора, которая передает чувство художника, способного трансформировать все вокруг себя одним прикосновением, и человека, который также может трансформировать себя, ускользать от нас, очаровывать и гипнотизировать.

Так же, как Уильям Шекспир по литературе и Зигмунд Фрейд по психологии, влияние Пикассо на искусство огромно.Никто не достиг такой степени широко известной или продемонстрировал такую ​​невероятную многогранность, как Пабло Пикассо в истории искусства. Свободный дух Пикассо, его эксцентричный стиль и его полное игнорирование того, что другие думают о его работах и творческий стиль, сделал его катализатором для художников. Теперь известный как отец современного искусства, оригинальность Пикассо затронула всех крупных художников и художественных течений, последовавших за ним. Даже на сегодняшний день его жизнь и творчество продолжают привлекать бесчисленные научные интерпретации и привлекать тысячи последователей по всему миру.

Картины Керри Джеймса Маршалла показывают, что значит быть чернокожим в Америке

Люди говорят, что мы находимся в центре второго движения за гражданские права, и мы находимся. Единственный сюрприз — это то, что первая когда-либо закончилась. Художник Керри Джеймс Маршалл был там для этого. Тогда он был еще ребенком, родился в Бирмингеме, штат Алабама, в 1955 году. Но дети многое понимают.

Он был в Бирмингеме в 1963 году, когда сторонники превосходства белых взорвали баптистскую церковь и убили четырех молодых девушек.Ему было 9 лет, и он жил в Лос-Анджелесе в 1965 году, когда Уоттс загорелся. Он помнит все это, так же как он помнит, как рос в те годы в любящей семье: мать, отец, сестра, брат. Дом.

Художники тоже многое принимают. Г-н Маршалл впитал достаточно личной истории, американской истории, афроамериканской истории и истории искусства, чтобы стать одним из великих художников-историков нашего времени. Это художник, которого вы увидите в «Керри Джеймс Маршалл: Мастри», потрясающей ретроспективе 35-летней карьеры, которая открывается во вторник в Met Breuer.

Первое, что вы можете заметить в нем как в художнике, — это то, что он отличный рассказчик, настолько хорош, что вы понимаете, насколько это редкость. Иногда он описывает сюжетные сцены, даже несколько фантастические, прямо, как в великолепной картине 1997 года «Сувенир I», в которой матрона средних лет устраивает свою гостиную как святыню мученикам за гражданские права 1960-х годов. Что фантастично, так это то, что у женщины инкрустированные блестками крылья, как у ангела.

Так же часто истории просто подразумеваются, и они могут сбивать с толку.Одна из самых ранних из 72 картин выставки, «Портрет художника как тень его прежнего« я »», датируется 1980 годом, через два года после того, как г-н Маршалл окончил то, что тогда называлось Художественным институтом Отиса в Лос-Анджелесе. Это небольшое изображение — позже он обычно работал в масштабе фрески — черной мужской фигуры длиной до груди, чьи контуры едва читаются на более светлом черном фоне. Его единственные четкие черты — это белки глаз и широкая зубастая улыбка.

Вы можете с легким беспокойством подумать о мультфильмах или старых расистских стереотипах, или о расе как о спектакле: blackamoors, Sambos, Madea. То, о чем думал г-н Маршалл, было романом Ральфа Эллисона 1952 года «Человек-невидимка», афроамериканский герой которого знает, что его цвет кожи делает его невидимым как человека в белой Америке: он черный; это оно. Мистер Маршалл усложняет эту идею, рассматривая ее в двух направлениях: его «автопортрет» одновременно рецессивен и нельзя пропустить, с его глазами и напористой, притворно веселой, почти скелетной улыбкой, которая сияет в темноте, как булавочные пятна.

Черная кожа — неизменная составляющая искусства мистера Маршалла. Более трех десятилетий назад он решил посвятить себя созданию новой, разрушительной истории искусства, которая внесет — по-крупному — отсутствующую черную фигуру в традицию западного искусства, традицию, которую он любил и с которой отождествлял.

И эта традиция повсюду в его творчестве. Он прямо указывает на это в мини-выставке «Выбирает Керри Джеймс Маршалл», которая встроена в ретроспективу и состоит из исторических предметов, которые он извлек из фондов Метрополитена.Среди них мужской портрет в гольбейском стиле XV века, одалиска Энгра в серых тонах, абстрактные картины Эда Рейнхардта и Герхарда Рихтера, а также автопортрет Горация Пиппина, столь же крошечный и столь же драгоценный, как знаменитая «Мадонна и Ребенок.»

Приятно видеть эти вещи. И совсем несложно отследить следы художников, сделавших их в своем творчестве. Всегда в своих картинах он дает своим героям-художникам их реквизит.

И вы здесь ради его искусства, и, возможно, захотите вернуться, чтобы увидеть его снова.Выставка, которая зародилась в Музее современного искусства в Чикаго и организована в Метрополитене Яном Алтевером, младшим куратором современного искусства, и Мередит Браун, научным сотрудником, граничит с дезориентирующе богатой.

В хронологическом порядке он начинается на третьем этаже Met Breuer с нескольких абстрактных коллажей и «Автопортрета» 1980 года, а затем продвигается по карьерной лестнице по темам. Ранние вещи текстурно плотные и тактильно экспериментальные. Мистические картины 1992 года выполнены на дереве, коже и приклеенных на холст листах бумаги.

Изображения имеют аналогичные слои. Картина 1992 года «Вояджер» с небесным чувством — памятник жизням, потерянным на невольничьем корабле 19-го века и одна из первых больших исторических картин г-на Маршалла — объединяет анатомические гравюры, эмблемы гаитянской вивы и потоки отпечатанных вручную и расписные розы. Некоторые из них также появляются, совсем не противоречиво — отчасти великолепие искусства мистера Маршалла состоит в том, что оно лишено несоответствия — в сценах семейного романа, таких как «This Could Be Love» 1992 года, где пара раздевается перед сном. как ноты и слова популярной песни «Two Lovers» Мэри Уэллс плывут над головой.

Рисуя повседневную жизнь афроамериканцев, г-н Маршалл монументализирует и облагораживает ее. Обычное — необычное. Это динамика на 10-футовой картине потрясающего остроумия и серьезности под названием «Де Стиль». Пять фигур позируют в парикмахерской. У трех сенсационно скульптурные достоинства; ответственный парикмахер сияет, как святой.

Название картины многократно закодировано. Это относится к магазину Percy’s House of Style и к королевскому шику его клиентов. Это также указывает на утопическое голландское художественное движение De Stijl, которое в начале 20 века стремилось эстетизировать повседневную среду и создать универсальную гармонию.Пит Мондриан был его приверженцем, и декор парикмахерской основан на его палитре основных цветов.

В 2012 году г-н Маршалл изготовил неописуемо сказочный кулон для De Style под названием «Школа красоты, школа культуры», установленный в женской парикмахерской. Обновлены ссылки (на стене плакат Криса Офили), а политика обострена (преобладающие цвета — красный, черный и зеленый панафриканского флага). Это нельзя упускать.

Такие изображения представляют собой сознательное усилие по отношению к г.Роль Маршалла в том, чтобы спасти образ черной жизни от пессимистической атмосферы по умолчанию. Но он не избегает горьких реалий. Картина под названием «Потерянные мальчики», написанная в том же году, что и «Де Стайл», представляет собой пронзительный памятник насильственной смерти чернокожих детей. Девять огромных картин, установленных вместе в широко открытой галерее на четвертом этаже, рассказывают историю провалившейся утопии — и, что еще хуже, преданной. Пять из этих картин, под общим названием «Садовый проект», датируются 1994-95 годами и воссоединены здесь впервые за два десятилетия.Г-н Маршалл сказал, что одной из его мотивирующих амбиций как художника было нарисовать черную жизнь «в большом стиле», и здесь он это сделал, сочетая автобиографию и политику.

Часть истории городской жизни чернокожих в Америке конца 20-го и 21-го веков и часть истории г-на Маршалла — это жизнь в жилищных проектах для малоимущих. Такие проекты были разработаны правительством в 1930-х годах как альтернатива городским трущобам. Но этот жест не имел продолжения. После постройки экономическая поддержка была скудной, и к 1960-м годам проекты резко ухудшились, став медиа-символами бедности и преступности.

Мистер Маршалл недолго жил в проекте, когда был ребенком, и у него остались хорошие воспоминания о нем. В «Садовом проекте» эти воспоминания сталкиваются и сливаются с социальными реалиями. Благоустроенные проекты в Лос-Анджелесе и Чикаго (где живет мистер Маршалл) выглядят одновременно идиллическими и коррумпированными. Они написаны с фотореалистичной точностью, заляпаны пятнами пигмента, которые напоминают пулевые отверстия.

Мы видим детей, среди которых молодой мистер Маршалл с его сестрой и братом. Они играют, робко смотрят на нас, кажутся невиновными в страхе.Взрослые не такие уж беззаботные. На картине «Множество особняков» трое мужчин, одетых в строгую одежду, как прихожане или гробовщики, похоже, занимаются садоводством или копают могилу. Голубые птицы порхают; Пасхальные корзины стоят на траве. Далекие проектные башни выглядят пустыми, мертвыми; земля кажется кровоточащей.

За годы, прошедшие с 1995 года, г-н Маршалл нарисовал множество садов, испорченных и эдемических, неоднозначно затененных. Он нарисовал с недвусмысленной серьезностью целую галерею революционеров.В «Портрете Ната Тернера с головой своего хозяина» (2011) бунтарь с топором — это своего рода библейский герой, черный Давид, поворачивающийся спиной к мертвому Голиафу, отрубленная голова которого — одна из немногих в сериале. изображения белого человека.

И он рисовал художников, вымышленных, мужчин и женщин, с царственными прическами; огромные, залитые краской палитры; и автопортреты по номерам на мольбертах. Как указывается в каталоге, повальное увлечение раскраской по номерам пришло в 1950-х годах, примерно в то время, когда началось движение за гражданские права, а это было примерно в то время, когда г-н.Родился Маршалл. Это был вид живописи для всех и каждого, в этом смысле универсальный. И хотя предметы были зафиксированы, цвета — нет; Вы можете переключать их, персонализировать свой образ, как мистер Маршалл учился рисовать, и обогащать его, выбирая темы и стили старых мастеров.

Один из его вымышленных художников, кажется, основывает свои портретные цвета на цветах ее потрясающей печатной упаковки, которая сама по себе является картиной. Другой изобразил себя полностью одетым в розовое, хотя у него серо-зеленое с коричневым.Во всех случаях рисование лица осталось незавершенным, а в некоторых — нетронутым, как будто это последнее решение. Потому что они не знают, какие будут цвета? Или потому что черный такой сложный?

Вы знаете, что из этой группы можно было бы сделать несколько интересных выборов. Вместе они похожи на армию художников: зрелые, трезвые, целеустремленные, полные идей, готовые к совершенству, что уже есть у мистера Маршалла.

Джексон Поллок: искусство, живопись и смерть

Художественный стиль

Джексон Поллок, несмотря на то, что изучал искусство у Томаса Харта Бентона, одного из великих мастеров по-настоящему доступного искусства, вместо этого предпочел принять независимость своего бывшего учителя, а не свой особый стиль.Историки искусства называют уникальный стиль Поллока абстрактным экспрессионистом , особенно жестовой абстракцией . В этом Поллок решил не исследовать предмет искусства, а вместо этого исследовал то, как краска была нанесена на холст. В то время как более ранние художники, без сомнения, использовали различную толщину и длину мазка, чтобы выделить определенные части данной композиции, Поллок вместо этого позволил этим техникам рассказать историю, которую он хотел изобразить. При этом он, по общему признанию, в значительной степени позаимствовал у коренных американцев рисунки на песке, которые он видел в юности.

Поллок бросил вызов не только правилам композиции, но и способам создания картины. Избегая единственного использования масляной краски традиционного художника, он работал с красками, которые с большей вероятностью можно найти в магазине товаров для дома, заявив, что их различные текстуры придали его творениям большее измерение. Помимо краски, Поллок также использовал новые инструменты в своем приложении, выбрав не только набор кистей художника, но и использовав палочек , чашек и даже насадок для индейки , чтобы разбрызгивать, брызгать и выливать краску точно. так, как он считал нужным.Со временем этот стиль будет называться капельная живопись .

Возможно, самым большим изменением Поллока стало то, как он взаимодействовал с холстом. В то время как другие художники рисовали с использованием мольберта, Поллок помещал кусок холста произвольного размера на пол своей студии, что позволяло ему не только резко увеличить размер своей работы, но и иметь возможность подходить к композиции с любого угол. Поллок особенно гордился этим фактом, заявляя в многочисленных интервью, что это заставляло его чувствовать себя частью картины, а не просто работать на расстоянии от нее.

Картины

Несмотря на то, что он работал с таким художником, как Бентон, Поллок принял сюрреализм в начале своей карьеры, о чем свидетельствуют его работы Мужчина и Женщина и Женщина-Луна , обе из которых демонстрируют активное использование сюрреализма. формы. К моменту создания его Mural для Музея искусств Университета Айовы было ясно, что он овладел многими сюрреалистическими техниками, но уже отходил от передачи сообщения в формах, а вместо этого от того, как краска была нанесена на холст. .Фактически, во всех трех картинах он буквально наносил краску, выливая ее на холст, — техника, которую многие считали острой.

К 1947 году Поллок обнаружил, что это будет его самый продолжительный период. Примечательно, что он перестал давать имена своим картинам, вместо этого просто присвоив каждой из них номер. Поступая таким образом, Поллок убрал представление о предвзятом представлении о произведении, заставив зрителя делать собственные выводы о каждом произведении. Кроме того, в таких работах, как One и Five , Поллок достиг своей наибольшей известности.Поллок быстро отверг идею о том, что его картины были случайными, настаивая на том, что он не прекращал работать над холстом, пока он не выразил его вдохновение.

Смерть

Однако за растущую известность пришлось заплатить еще большую цену. Падение славы и богатства привело Поллока к депрессии и алкоголизму. Его картина отразила это; Перед тем как приступить к работе с каплями, он загрунтовал каждый холст темно-черной краской, задав более мрачный тон таким работам, как Blue Poles и The Deep .Кроме того, названия этих работ указывают на растущее недовольство Поллока своей работой, по-видимому, вызывая у зрителя чувства, которые в начале своей карьеры он не испытывал бы к ним с такой предвзятостью.

Отказавшись от своей жены, коллеги-художника Ли Краснера, он начал встречаться с другими женщинами, пить больше, чтобы спастись. В то же время он отошел от живописи, пытаясь найти среду, которая снова передала бы сообщение о чем-то большем, чем сумма его частей. Алкоголь в конечном итоге стоил ему жизни, поскольку он был пьян, когда разбился в 1956 году, и только его любовница выжила.Несмотря на интриги, Ли Краснер ценила картины своего мужа, стараясь сохранить его наследие в ближайшие годы.

Заключение

Несмотря на свою раннюю смерть, Джексон Поллок, как и некоторые другие художники, демонстрирует, как художник может развиваться через стили в своей карьере. Начав с сюрреализма, Поллок впервые применил не только абстрактный экспрессионизм, особенно жестовую абстракцию, но и новые методы взаимодействия с холстом и краской, такие как капельная живопись, чтобы отвлечь взгляд зрителя от предвзятых представлений о том, каким должно быть искусство.В конце концов, раздавление славы и богатства было слишком сильным, и, хотя повышенный стресс продолжал обеспечивать просвещенную работу, это в конечном итоге привело к смерти Поллока.

15 элементов и принципов искусства, которые ведут художника от новичка до мастера

15 предметов первой необходимости для любой формы искусства

Что, если бы у вас были ключи от царства искусства? Каждый из них необходим для создания искусства, и это именно то, что у вас есть. Понимание и применение строительных блоков искусства (или элементов и принципов искусства, как их часто называют) — вот что делает художника от новичка до мастера.

Чтобы понять, искусно критиковать и практиковать выбранный вами вид искусства, вам необходимо знать ключевые концепции, на которых оно построено. Знакомство с элементами искусства, такими как цвет и линия, и принципы искусства (пропорции, ритм и контраст среди прочего) — вот что дает художникам такую ​​беглость. Зная их, вы всегда сможете найти радость и волнение, которые могут окружать искусство… и для любителей искусства нет ничего более привлекательного, чем это.

Элементы искусства

Думайте об элементах искусства как о стрелках в колчане или инструментах в ящике для инструментов.Вы можете использовать их по отдельности и в комбинации для любого художественного творчества. Для изобразительного искусства это визуальные элементы: цвет, форма, линия, форма, пространство, текстура и значение.

Цвет

Элемент искусства с трех сторон: оттенок, ценность и интенсивность.

Hue — это сам цвет.

Значение — это светлый или темный оттенок, который изменяется при добавлении к нему белого или черного.

Интенсивность — это аспект яркости и чистоты цвета.Цвета высокой интенсивности — смелые и яркие. Цвета низкой интенсивности тусклые и тусклые.

Осенняя вспашка, Грант Вуд

Форма

Для художников и рисовальщиков форма — это элемент искусства, который передает трехмерную форму в двух измерениях. Во многих смыслах это сердце арт-объекта — сама форма. Он может заключать объем и включает высоту, ширину и глубину. Куб, сфера, цилиндр и пирамида — все это разные формы. Формы также могут быть от до — абстрактными и свободными.

Строка

Метки, нанесенные на поверхность, называются линиями. Они начинают с определенной точки и движутся вперед, создавая пространство по мере продвижения. Линии могут быть двух- или трехмерными, описывающими форму или саму форму, подразумеваемыми или абстрактными. Создание серии параллельных линий для обозначения формы — это метод, известный как штриховка . Перекрестная штриховка указывает на несколько наборов этих линий, наложенных друг на друга под углом для моделирования и обозначения тона.

Форма

Элемент искусства, двумерный, плоский или ограниченный по высоте и ширине.Обычно фигура прилагается.

Космос

Пространство — это элемент искусства, с помощью которого определяются как положительные, так и отрицательные области или достигается ощущение глубины в произведении искусства.

Текстура

Этот аспект искусства определяет то, как арт-объект или элемент в композиции ощущается или выглядит так, как если бы он ощущался при прикосновении.

Большая одалиска, Жан Огюст Доминик Энгр

Принципы искусства

Если элементы искусства — это ваши инструменты, то принципы искусства — , как вы их применяете .Здесь стиль искусства манипулирует своей сущностью. Ритм, гармония, баланс, контраст, движение, пропорции и разнообразие — вот принципы искусства.

Ритм

Этот принцип искусства описывает движение произведения искусства или его движения. Ритм создается за счет разнообразия и повторения элементов произведения искусства, которые вместе создают визуальный темп или ритм.

Гармония

Это достигается, когда элементы произведения искусства объединяются единым образом.Некоторые элементы повторяются, но выглядят и ощущаются одинаково. Не однообразие и не хаос, гармония — это идеально отточенное сочетание того и другого.

Весы

Художники комбинируют элементы, чтобы придать произведению искусства ощущение равновесия или стабильности. Симметрия и асимметрия — проявления баланса.

Звездная ночь Винсента Ван Гога

Контрастность

Контрастные области — это области, на которые обычно в первую очередь обращает внимание зритель. Художники комбинируют элементы, чтобы подчеркнуть различия между этими элементами.

Механизм

Движение используется для создания внешнего вида и ощущения действия в произведении искусства. Он направляет взгляд зрителя на протяжении всего произведения. Ощущение движения может заключаться в разнообразных линиях, повторении элементов, нанесении жестов и многого другого.

Это равномерное повторение элемента искусства или сочетание элементов. Все, что угодно, можно превратить в узор повторением.

В области элементов и принципов искусства пропорция — это отношение элементов произведения искусства к целому и друг к другу.

Принцип искусства, связанный с разнообразием или контрастом, — это принцип разнообразия. Разнообразие достигается за счет использования в произведении искусства разных цветов, размеров и форм. Это партнер единства. Художники ищут баланс между ними.

Если это руководство было обновлением в самом лучшем смысле, то вы знаете, что готовы к следующему шагу вашего художественного путешествия. Применяйте элементы и принципы искусства на практике в своем следующем произведении искусства. Сделайте это как можно лучше — и то, чем вы гордитесь.

10 картин и произведений Эль Греко, которые вы должны знать

Предполагаемый автопортрет Эль Греко | © Музей искусств Метрополитен / WikiCommons

Доменикос Теотокопулос, более известный как Эль Греко (с испанского «грек»), был греческим художником, который большую часть своей жизни провел в Испании. Он отошел от традиционного стиля Возрождения, чтобы принять эстетику, которая была полностью его собственной, наполнив свои работы невероятными эмоциями, искаженными телами, драматическим цветом и захватывающим светом.Он очень опередил свое время с необычно современным взглядом, и его работы послужили предшественниками экспрессионизма и кубизма 20-го века. Вот десять необычных картин и работ Эль Греко, которые стоит знать.

Одна из ранних работ Эль Греко, «Христос, исцеляющий слепых», была написана во время пребывания художника в Италии — в Венеции или Риме. В течение многих лет эту картину приписывали Тинторетто, а затем Веронезе; Только в конце 1950-х годов эксперты наконец заявили, что это на самом деле Эль Греко.Одна из трех картин, написанных на одну и ту же тему, изображает Христа в розово-синем одеянии, исцеляющего слепого, преклонившего перед ним колени. Слева и справа от него две группы, плюс двое мужчин и женщин на переднем и заднем плане. Работа так и не была закончена, но, тем не менее, ее можно увидеть во всем блеске в Музее искусств Метрополитен в Нью-Йорке.

Эль Греко, Христос, исцеляющий слепых, ca, 1570 | © Toledo Cathedral / WikiCommons

«Разоблачение Христа» находится в ризнице собора в Толедо, Испания.Эль Греко переехал в Толедо в середине-конце 1570-х годов, и вскоре после его прибытия церковные чиновники поручили ему нарисовать «Разоблачение», которое с тех пор висит в соборе (кроме тех случаев, когда оно было восстановлено в музее Прадо в Мадриде). Произведения искусства имеют странное современное качество с характерным искажением Эль Греко и использованием ярких цветов. Эта работа несколько приглушена тенью, покрывающей большинство фигур, окружающих Христа, чтобы привлечь безраздельное внимание зрителя к главному предмету картины.Излучаемый светом Христа освещает трех женщин внизу, все из которых считаются Марией.

Эль Греко, Разоблачение Христа, 1577-79 | © Собор Толедо / WikiCommons

Эль Греко больше всего известен своими религиозными работами, но он также написал несколько портретов. Один из его лучших примеров, «Дворянин с рукой на груди» — портрет длиной до груди, изображающий джентльмена в возрасте около 30 лет. Одетый в традиционную испанскую одежду, субъект, который пристально смотрит на зрителя, опирается на правую руку. на его груди.В картине отсутствуют обычные смелые цвета художника, вместо этого используются приглушенные темные тона, при этом больше всего выделяется белый ерш; однако присутствуют преувеличенные удлиненные пальцы. Это произведение искусства в настоящее время находится в Прадо в Мадриде.

Эль Греко, захоронение графа Оргаса, 1586-88 | © Иглесия де Санто-Томе / WikiCommons

Погребение графа Оргаза считается самой известной работой Эль Греко. Большая картина размером чуть более 15 на 11 футов находится в Иглесиа-де-Санто-Томе в Толедо и изображает известную легенду о доне Гонсало Руизе, человеке-благотворителе.История гласит, что когда он скончался, святой Августин и святой Стефан спустились с небес, чтобы похоронить его, и все, кто присутствовал на погребении, стояли в страхе. На картине есть две контрастные части: статичная нижняя половина с местными горожанами, священниками, святыми и телом Руиза и верхняя половина, которая представляет собой органичное, плавное видение неба.

Эль Греко, захоронение графа Оргаса, 1586-88 | © Иглесия де Санто-Томе / WikiCommons

Однажды помещенная напротив Святого Мартина и Нищего (см. Ниже) в часовне Святого Иосифа в Толедо, Мадонна с Младенцем, Святой Мартиной и Святой Агнессой изображает именно это.Это прекрасное произведение, представленное в Национальной галерее искусств в Вашингтоне, округ Колумбия, изображает Марию и младенца Иисуса, сидящих на пушистых облаках в небе в окружении ангелов, а также святую Агнес справа внизу и святую Мартину слева внизу. Картина является прекрасным отображением ярких цветов, которыми Эль Греко был известен, в сочетании с розовато-красными, зелеными, синими, желтыми и красновато-оранжевыми.

Эль Греко, Мадонна с младенцем, Святой Мартиной и Святой Агнес, 1579-99 | © Национальная галерея искусства / WikiCommons

Также в коллекции Национальной галереи искусства «Святой Мартин и нищий» изображен Мартин Турский, солдат, который разделил половину своего плаща с бедняком (нищим), с которым он столкнулся.Христос посетил Мартина во сне, сказав ему, что то, что он сделал для этого человека, он сделал для самого Христа; после этого Мартин посвятил себя христианству. Картина, созданная по заказу Мартина Рамиреса для часовни Сан-Хосе в Толедо, имеет монументальное качество со святым на мощном белом коне, которые почти заполняют все пространство. Слева — обнаженный нищий, тело которого искажено, частично прикрыто ярко-зеленым куском ткани.

Эль Греко, Святой Мартин и нищий, 1597-99 | © Национальная галерея искусства / WikiCommons

Помимо религиозных произведений искусства и портретов, Эль Греко также создал невероятные и редкие пейзажи, такие как Вид Толедо, шедевр и лучшее представление его работ в этом жанре.Глядя на это произведение, зрители могут испытывать чувство паники, поскольку на картине изображены угрожающие темные облака, катящиеся извне, способные создать мощный шторм, обрушивающийся на зеленую землю внизу. Это один из немногих сохранившихся пейзажей Эль Греко, о его происхождении известно немногое, кроме инвентарных записей, и, к сожалению, из них нельзя вывести ничего конкретного. Как и «Христос, исцеляющий слепых», это произведение также можно найти в The Met.

Эль Греко, вид на Толедо, 1598-99 | © Метрополитен-музей / WikiCommons

Открытие Пятой печати, также известное как «Видение Святого Иоанна», — еще один замечательный пример современных качеств, присущих творчеству Эль Греко.Изображая библейский сюжет из Книги Откровений, на картине выделяется фигура святого Иоанна, находящегося в состоянии экстаза и одетого в синюю одежду с острыми складками. Позади него ряд обнаженных фигур, которые сейчас облачены в красочные мантии желтого, зеленого и белого цветов. Прекрасный образец его позднего стиля, эта картина действительно была одной из его последних работ и остается незавершенной. Фрагмент запрестольного образа, картина была источником вдохновения для великих деятелей современности, таких как Пикассо.Он также расположен в здании Met.

Эль Греко, Открытие Пятой Печати, 1609-14 | © Метрополитен-музей / WikiCommons

Еще одна поздняя работа, единственная сохранившаяся картина Лаокоониса Эль Греко, изображающая мифологическую тему. Еще одно произведение искусства, хранящееся в постоянной коллекции Национальной художественной галереи, картина показывает драматический момент, когда Лаокоон, троянский священник, и его сыновья были убиты морскими змеями после того, как предупредили своих соотечественников о троянском коне.Боги были недовольны тем, что привело к гибели семьи. На фоне Толедо произведение излучает эмоции, поскольку один сын мертв, а Лаокоон и его другой сын борются со змеями всем, что у них есть. Фигуры бледно-серого цвета, намекая на то, что жизнь медленно истощается из их тел. Это мощное произведение, которое можно увидеть в Национальной художественной галерее.

Эль Греко, Лаокоон, 1610-14 | © Национальная художественная галерея / WikiCommons

«Поклонение пастыря» часто называют последней работой Эль Греко, так как он умер 7 апреля 1614 года.В ночной обстановке, похожей на грот, Мария держит младенца Иисуса, в то время как Иосиф и три пастуха окружают их, с любовью глядя на новорожденного, полностью посвященные и очарованные.